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  1. Cuties - Wikipedia

    en.wikipedia.org/wiki/Cuties

    22 hours ago · The film premiered in the World Cinema Dramatic Competition section of the 2020 Sundance Film Festival on 23 January, where Doucouré won the Directing Award. It was released in France on 19 August 2020 by BAC Films and internationally on 9 September 2020 on Netflix .

    • Niko Noki
    • Fathia Youssouf, Médina El Aidi-Azouni, Esther Gohourou, Ilanah Cami-Goursolas, Maïmouna Gueye
    • Sylvain de Zangroniz
    • 23 January 2020 (Sundance), 19 August 2020 (France)
  2. People also ask

    How many films were in the Sundance Film Festival?

    What is the purpose of the Sundance Film Festival?

    Is the Sundance Film Festival open to the public?

    Where is the Sundance Film Festival held?

  3. Rick Rickertsen - Wikipedia

    en.wikipedia.org/wiki/Rick_Rickertsen

    1 day ago · Ingrid Goes West won the Waldo Salt Screenwriting Award at the Sundance Film Festival in 2017, as well as the Best First Feature award at the Independent Spirit Awards in 2018. [ citation needed ] In 2019 and 2020, Star Thrower developed and produced King Richard , with Will Smith starring as Venus and Serena Williams ’ father, Richard Williams .

  4. Paul Thomas Anderson — Wikipédia

    fr.wikipedia.org/wiki/Paul_Thomas_Anderson
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    Fils d'un comédien travaillant à Hollywood, Paul Thomas Anderson est le troisième plus jeune enfant d'une fratrie de neuf. Il a trois sœurs ainsi que cinq demi-frères et demi-sœurs. Il est le seul d'entre eux à avoir poursuivi dans le show-business. Il reçoit de son père sa première caméra à 12 ans. Il décide très tôt de devenir cinéaste et réalise de nombreux petits films amateurs, parmi lesquels The Dirk Diggler story à l'âge de 18 ans dont il développera l'histoire pour former la trame principale du film Boogie Nights (1997). Pour autant, il refuse le chemin prévu dans une école de cinéma, la pourtant reconnue New York University School, préférant apprendre directement sur le terrain : il quitte celle-ci après deux jours et investit les fonds alloués aux cours pour aller à Los Angeles.

    Il fréquente la Buckley school (dont il sera exclu pour s'être bagarré et en raison de ses mauvaises notes), la Campbell Hall (école épiscopale) dans la San Fernando Valley, la Cardinal Cushing à Boston (où il redouble sa seconde), le Montclair College à Reseda (fin du secondaire) et lEmerson University (pour 2 semestres à étudier l'anglais).

    Il commence à la télévision comme assistant de production sur des téléfilms et des jeux télévisés (expérience qu'il utilisera pour Magnolia).

    C'est à cette époque qu'il réalise Cigarettes and Coffee, court-métrage avec Philip Baker Hall qui sera remarqué dans des festivals et en particulier à celui de Sundance 1993. Cette histoire de personnages qui se croisent dans un café préfigure le thème de la rencontre et le style choral qu'il affectionnera par la suite. Cigarettes and Coffee lui permet d'obtenir le financement pour mettre en route son premier long-métrage, Double mise (Sydney). Ce premier film est présenté au festival de Cannes 1996.

    Fort de ce succès et avec des moyens plus importants un budget de 15 millions de dollars il reprend le script d'un court-métrage évoquant la carrière d'un acteur de films pornographiques pour réaliser son second long-métrage : Boogie Nights, qui sort en 1997. Le film suit une galerie de personnages impliqués dans l'industrie pornographique californienne de l'âge d'or de la fin des années 1970 au déclin du début des années 1980. On commence alors à comparer son cinéma à celui de Martin Scorsese et Robert Altman. Si les critiques sont parfois sévères (on évoque la prétention et le plagiat), d'autres au contraire relèvent la naissance d'un futur grand cinéaste (Newsweek, New York Times ou Los Angeles Times). En septembre 2010, le film est temporairement ajourné15 et P.T.A. se lance alors dans la préparation de l'adaptation de Vice caché, roman de Thomas Pynchon. Le tournage de The Master débute finalement en juin 2011 pour une sortie fixée au 12 octobre 2012 aux USA (et une sortie française début 2013). Le film est présenté en avant-première au Festival de Venise et y est récompensé pour sa mise en scène et son interprétation. Paul Thomas Anderson devient le premier cinéaste à remporter le prix de la réalisation dans les trois principaux festivals européens. La critique [archive] loue encore globalement une forme originale et très maîtrisée en ligne avec l'impression déjà laissée par son précédent film, mais de façon moins unanime. Il s'agit d'une adaptation du court-métrage Cigarettes and Coffee qu'il réalisa en 1993, également connue sous le nom de Sydney et de Hard Eight. C'est au festival de Sundance qu'il rencontre Robert Jones, un producteur anglais qui réunit les 3 millions d'Euros nécessaires au tournage. Le film met deux ans à se monter ; Paul Thomas Anderson refuse de changer le casting qu'il a déjà prévu alors qu'on lui suggère d'engager des acteurs plus connus, et doit s'adapter à l'emploi du temps de Gwyneth Paltrow occupée sur le tournage de Seven (de David Fincher). Un conflit important naît entre Paul Thomas Anderson, qui insiste pour faire de son film une méditation sur l'échec, et ses producteurs qui souhaitent mettre l'accent sur le côté « film noir20 ». Le film est rebaptisé Hard Eight sans l'accord du réalisateur. C'est sous ce titre mais dans la version voulue par le réalisateur que le film est présenté, rencontrant un succès d'estime au festival de Cannes (section « parallèle »). Les producteurs décident alors de garder la version de Paul Thomas Anderson. Mais, finalement, la version exploitée en salle sera raccourcie et le héros, Sydney, n'y meurt plus. L'impact de Boogie Nights est tel que les producteurs de la New Line achètent une option sur le nouveau script de Paul Thomas Anderson sans l'avoir lu. Pourtant le script de Boogie Nights les avait effrayés par sa longueur ; celui de Magnolia est encore plus long (190 pages). Malgré les pressions, il refuse de couper ; « Le script fait 190 pages. Le film dure 3 heures. Et c'est le film que je veux faire » dira-t-il à son producteur23. Le feu vert pour le film est donné sous réserve que Tom Cruise, pour qui un rôle a été spécialement écrit à sa demande, fasse partie du casting, et que le film dure moins de trois heures. La première condition permet au film d'être monté facilement ; la deuxième condition n'est pas respectée. Paul Thomas Anderson use de son final cut pour une fois encore résister aux pressions. Il accepte finalement de réduire la durée de sa propre initiative après une présentation à un premier public (il n'y eut ni questionnaire, ni interview à l'issue de la projection conformément à ce que prévoyait le contrat du réalisateur). Ce n'est qu'en 2004 qu'il reconnaîtra le trouver rétrospectivement trop long de 10 minutes24.

    Afin de garder le meilleur contrôle possible de ses films, il crée rapidement sa maison de production qu'il nomme Ghoulardi Film Company en hommage au personnage de série B d'horreur que son père, Ernie Anderson, avait créé pour un feuilleton de la télévision de Cleveland. Paul Thomas Anderson et la chanteuse Fiona Apple ont eu une relation pendant plusieurs années ; elle apparait à ce titre dans le making-of du DVD de Magnolia. Paul Thomas Anderson réalise en outre plusieurs clips de la chanteuse. Depuis, il vit à Los Angeles avec l'une des comédiennes révélées par l'émission Saturday Night Live, Maya Rudolph, avec qui il a trois filles (Pearl née le 15 octobre 2005, Lucille le 6 novembre 2009 et Ida en 2013)16 et un garçon (Jack né le 3 juillet 2011) 17. Il a co-écrit et mis en scène un spectacle comique joué par Maya Rudolph en duo avec Fred Armisen, présenté les 5 et 6 août 2008 au Largo Theater de Los Angeles.

    En 2002, il change de registre une nouvelle fois, abandonnant le ton amer et le film choral pour la comédie romantique déjantée Punch-Drunk Love, avec Adam Sandler et Emily Watson. La critique en général salue l'originalité de son ton et les surprises de sa mise en scène qui sont couronnées par le prix de la mise en scène au festival de Cannes 2002. Mais le public est moins enthousiaste et le film échoue en termes de rentabilité (24 millions de recettes dont 17 millions aux USA pour un budget de 25 millions 4). Il accroit son image d'éclectisme en décidant, avec There Will Be Blood, de se tourner vers un western moderne sur le thème de l'exploitation du pétrole. Il y consacre cinq ans de sa vie, dont deux furent nécessaires au financement car les studios doutaient du potentiel du film5. Il fait également un grand travail de recherche sur le milieu du pétrole au début du siècle pour préparer le scénario et le tournage6. Il obtient en définitive un vrai succès public, des critiques excellentes7 et convergentes8 ainsi que la reconnaissance de ses pairs (huit nominations aux Oscars concrétisées par un Oscar du meilleur acteur pour Daniel Day-Lewis et une nomination au prix de la Directors Guild of America). Avec ce film, il obtient le statut d'auteur référent aux yeux des critiques. À titre d'illustration, James Christopher, critique cinéma en chef au Times, classe le film en deuxième position de sa liste des cent meilleurs films du monde (derrière Casablanca de Michael Curtiz) et il arrive en tête en nombre de citations dans les listes des 10 meilleurs films de la décennie 2000 établies par plusieurs publications spécialisées9. Deuxième film d'époque de suite pour Paul Thomas Anderson, The Master raconte une période de la vie de Freddie, ancien soldat, désormais vagabond et dépendant de ses propres « potions », qui rencontre un personnage charismatique, « le Maître », et sa communauté. Paul Thomas Anderson reste dans sa tendance qui se dessine depuis There will be blood : s'inspirer d'un fait ou d'une période historique pour mieux évoquer une façon décalée de vivre dans son temps. La forme rejoint le fond et le film s'éloigne par moments des standards conventionnels de narration (distorsion du temps, faux rythme, atmosphère...).[réf. nécessaire] La réalisation paraît attacher volontairement moins d'importance aux aspects formels, tout en préservant le souci de l'effet produit et le respect des canons de l'époque décrite. Retrouvant Daniel Day-Lewis après leur collaboration sur There will be blood, Paul Thomas Anderson signe à nouveau un film en costumes : le Londres des années 1950 abrite un drame amoureux où un créateur (le couturier Reynolds Woodcock) et sa muse rejouent le mythe de Pygmalion. Extrêmement formels et précis, la réalisation et le style de production rendent hommage aux artisans d'antan tout en y adjoignant la modernité d'une mise en abyme, avec un effet de retournement surprenant et très contemporain : l'inversion des rapports de force homme/femme (à noter que la réalisation du film a été achevée avant le début des mouvements MeToo et TimesUp). Boogie nights fait écho à un court-métrage que Paul Thomas Anderson a réalisé à 17 ans, The Dirk Diggler Story, un documentaire fictif sur un acteur de films pornographiques. Filmé en vidéo, ce court-métrage est constitué de fausses interviews de personnages évoquant l'acteur imaginaire. Le personnage de Dirk Diggler est directement inspiré de l'acteur John Holmes et permet à son auteur de dresser le panorama d'une industrie qui l'a longtemps fasciné pendant son adolescence22 Dirk Diggler est le pseudonyme que prend également le héros de Boogie Nights. Il ne s'agit plus ici d'avoir le regard de plusieurs personnages pour former une idée kaléidoscopique d'un seul, mais de présenter plusieurs personnages pour donner une vision globale d'une communauté. Au-delà du microcosme qui y est présenté, c'est un film ambitieux dans le sens où il raconte à la fois une époque (1977-1984), un business et des destinées personnelles. Le film sort dans une version raccourcie de quelque 40 secondes pour obtenir un agrément restricted. Les producteurs souhaitaient une diminution plus nette de la durée de 2h36 qu'ils jugeaient pénalisante pour son exploitation. Cela ne gêne finalement pas son accueil par le public et la critique : le film est un succès commercial et reçoit quelques récompenses de premier plan (trois nominations aux Oscars et un prix du nouveau réalisateur par la Boston Society of Film Critics).

    Paul Thomas Anderson fait preuve très tôt d'un fort caractère pour s'imposer au sein de groupes sociaux, et faire valoir son opinion en dépit de l'adversité. Ce trait de caractère perdure et s'illustre notamment par son intransigeance à maintenir ses choix artistiques face aux demandes des studios qui le sommaient de revoir le montage de ses deux premiers films, jugés excessivement longs.[réf. nécessaire] Il a acquis la réputation d'être impétueux et égocentrique, comme le montre la biographie écrite par Sharon Waxman, Les Six Samouraïs : Hollywood somnolait, ils lont réveillé !. John Lyons, ancien directeur de casting devenu son producteur, y confie que « les gens ne supportaient pas son manque d'humilité18. » Il démontre également une grande confiance en lui. Cette confiance en lui est antérieure à son premier film. John Lyons dit de lui à propos de sa première rencontre au Sundance festival en 1993 : « J'ai été très surpris de découvrir autant d'assurance chez un garçon de son âge, même pour un réalisateur. Il possédait un savoir-faire et une assurance à toute épreuve. » Michel Satter, directrice de la programmation du Sundance festival indique qu« il est rare de rencontrer quelqu'un qui vous tape littéralement dans l'œil, qui a cette petite étincelle, cette imagination débordante, une originalité folle et une assurance incroyable18 ». Il a la réputation d'être perfectionniste lors de la préparation et du tournage de ses films, pour lesquels il fait des recherches minutieuses. Mais il n'hésite pas à se mettre en colère sur les tournages et peut prendre une attitude détestable lorsqu'il se concentre sur son travail de réalisation. Une collaboratrice sur le tournage de Boogie Nights précise qu« il pouvait être très en colère, abusif, insultant copieusement tout le monde18. »

    Le titre évoque à la fois les pétales de la fleur du même nom, symbolisant l'enchevêtrement d'histoires et de personnages pour former un tout cohérent, et le nom de la rue principale de San Fernando Valley, dans la banlieue de Los Angeles, où se déroule le film et qui était alors le lieu de résidence du réalisateur. Pour une comédie sentimentale, Paul Thomas Anderson utilise un ton innovant, quelque peu onirique tant dans la forme que le fond de certaines scènes. La musique de Jon Brion est en accord avec la mise en scène, visant à créer un patchwork d'images qui retranscrivent l'expérience subjective du héros, plutôt que des séquences strictement réalistes qui constituaient les films précédents du réalisateur (à l'exception de la fin de Magnolia). À titre d'illustration, on peut citer la scène du baiser dont est tirée l'affiche du film avec ses figurants en ombres chinoises, ou les interludes de couleurs, ou encore l'apparition inexpliquée d'un harmonium. En outre, le réalisateur a recours au CinemaScope (format 2,35:1) pour donner plus d'ampleur à la démesure de l'amour-fou qui envahit le héros.[réf. nécessaire] À l'inverse, la manie du personnage à collectionner les bons de réduction s'inspire d'un fait réel relaté par le Time magazine en 2000 : un ingénieur civil californien a acheté 12 150 produits pour une valeur totale de 3 000 $ lui permettant d'acquérir ainsi 1 250 000 miles sur une compagnie aérienne). De même, les sept sœurs du héros sont inspirées de sa propre famille il a 5 sœurs ou demi-sœurs).

    La sortie est planifiée en toute fin d'année dans une combinaison qui a été progressivement élargie afin de se positionner pour les nominations aux Oscars[réf. nécessaire]. Si le film est très bien accueilli par les critiques (et au festival de Berlin où il gagne l'Ours d'or), il est néanmoins un échec en salle avec 22 millions de dollars de recettes aux États-Unis. La promotion ne bénéficie pas à plein de la présence de Tom Cruise, qui était protégé de la pression faisant suite à sa séparation d'avec Nicole Kidman.

    La critique a été globalement favorable, notamment en ce qui concerne la mise en scène et le ton novateur pour ce type de film. Si la majorité a totalement adhéré (L'Express, Le Point, Le Figaro, Le Monde...), certaines publications ont estimé que le film avait du mal à maintenir l'intérêt sur la durée (Télérama, Libération, L'Humanité) ou qu'il n'allait pas assez loin dans la folie (Les Inrockuptibles, Les Cahiers du Cinéma)26. Le film reçoit un accueil très positif, de nombreux critiques n'hésitant pas à le qualifier de classique dès sa sortie (Le Monde, Première, Positif, Libération, L'Humanité). Les remarques relatives à une mise en scène jugée tapageuse, parfois présentes dans les critiques de ses précédents films, ont disparu. Il est l'un des favoris aux Oscars, mais est finalement devancé par No Country for Old Men des Frères Coen, qui, coïncidence, a été tourné au même moment dans la même région du Texas. Daniel Day-Lewis est récompensé par un Oscar et un Bafta du meilleur acteur, marquant les qualités de Paul Thomas Anderson pour la direction d'acteur après les performances déjà remarquées de Mark Wahlberg (Boogie Nights), Tom Cruise (Magnolia) et Adam Sandler (Punch-Drunk Love). Même si l'accueil des critiques (72 % sur Rotten Tomatoes) et du public (7,1 sur IMDB) est globalement positif, le film reçoit un accueil en moyenne moins bon que les films précédents. C'est surtout le scénario qui est mis en avant, le film gagnant finalement peu de prix et accessits par rapport au reste de sa filmographie (une nomination aux Golden Globes et deux aux Oscars). Le film est salué par la critique : « Chef d'œuvre » selon Le Monde31, « étrange et splendide » selon Libération32, il obtient en outre un taux de 91 % de critiques positives sur l'agrégateur Rotten Tomatoes, soit autant que There will be blood, et une note moyenne de 90/100 sur Metacritic. L'accueil public est toutefois plus mitigé, avec un score spécifique de 70 % sur Rotten Tomatoes et une note moyenne de 7,6/10 sur Internet Movie Database.

    Derrière cette histoire, c'est le monde d'un gourou et de son influence sectaire qui est décrit. Les références inavouées à l'histoire de l'Église de la scientologie (le récit étant librement inspiré de la vie de L. Ron Hubbard, son fondateur) ont prêté à polémique28, même si à aucun moment ce mouvement n'est cité.

    Ses films choraux à multiples personnages et multiples intrigues entremêlées (Boogie Nights et Magnolia) sont emblématiques du style qui l'a rendu célèbre. Son cinéma se caractérise pourtant par son approche de genres variés et de films qui se détachent nettement de ce genre (There Will Be Blood, Double mise).

  5. Mary Elizabeth Winstead — Wikipédia

    fr.wikipedia.org/wiki/Mary_Elizabeth_Winstead
    • Carrière
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    Elle est surnommée « Scream Queen » en référence à ses rôles dans des films d'horreur tels que Destination finale 3, Black Christmas, Boulevard de la mort ou encore The Thing. Mais elle a aussi joué dans des films d'un autre genre, tels que L'École fantastique, Bobby, Die Hard 4 : Retour en enfer ou Scott Pilgrim et plus récemment Smashed et 10 Cloverfield Lane. Elle a été nommée aux Young Artist Award pour sa prestation dans la série Passions et a reçu un Screen Actors Guild Award à titre collectif pour son rôle dans le film Bobby2. Elle a débuté une carrière de chanteuse en 2013 en formant le groupe Got a Girl en duo avec Dan the Automator3. Après sa brève performance dans le spectacle, Mary Elizabeth Winstead commence à faire des apparitions dans de nombreuses séries télévisées dans Les Anges du bonheur et Promised Land. Elle obtient son premier rôle important - celui de Jessica Bennett - dans le feuilleton Passions, diffusé sur NBC, qu'elle tient de 1999 à 2000. Elle est partie pour poursuivre d'autres intérêts12. Elle obtient son prochain rôle significatif à la télévision dans la série dramatique de courte durée de CBS Wolf Lake, diffusée de 2001 à 2002, dans lequel elle incarne la fille de Tim Matheson13. La série est annulée au bout de dix épisodes. En 2004, elle tient un rôle de soutien dans le film de MTV Monster Island. Par la suite, on lui offre un rôle dans le film Comme Cendrillon, mais refuse car elle venait d'être diplômée de l'école et allait à une croisière avec des amis, où elle rencontre celui qui allait devenir son mari, Riley Stearns14. En 2005, elle tient un rôle mineur dans la comédie indépendante Checking Out, suivi d'un rôle plus important, celui de l'antagoniste principal, dans la comédie de super-héros L'École fantastique, qui obtient un succès commercial15. Mary Elizabeth Winstead commence ensuite à travailler avec les cinéastes James Wong et Glen Morgan, précédemment connus pour leurs contributions à The X-Files. Elle joue dans le film d'horreur Destination Finale 3, sorti en 2006, produit par Morgan et réalisé par Wong, dans lequel elle tient le rôle principal féminin, celui de Wendy Christensen, une héroïne aux abois qui ressent le pressentiment16,17. Le film est un succès commercial, mais rencontre un accueil mitigé des critiques18. La performance de la jeune actrice s'avère être positive pour les critiques19. James Berardinelli déclare qu'elle « fait un travail aussi compétent que l'on pourrait s'attendre dans ces terribles conditions »20, tandis que Felix Gonzalez, Jr. l'a trouve « sympathique »21. Winstead collabore de nouveau avec Wong et Morgan plus tard dans l'année avec le slasher Black Christmas, libre remake du film éponyme sorti en 1974, qui suit un groupe de sororités harcelées et assassinées par les anciens habitants de la maison lors d'une tempête hivernale. Lors de sa sortie, Black Christmas reçoit des critiques négatives22, mais Winstead va toutefois obtenir une nomination dans la catégorie « Scream Queen » au Scream Awards en 2007. La jeune femme a la chance de se moquer des screams queen des films d'horreur quand l'hôte du Tonight Show, Jay Leno, ignorant qui elle était, a frappé à sa porte et l'a incluse dans un sketch comique parodiant les films d'horreur23. L'année 2007 voit Winstead apparaître dans des films événements de haut-profil : Quentin Tarantino l'engage pour jouer une actrice bien intentionnée, mais fade et naïve dans le thriller Boulevard de la mort, segment du diptyique Grindhouse , dans lequel elle partage l'affiche avec Rosario Dawson, Tracie Thoms et Zoë Bell, ainsi qu'avec Kurt Russell, qui incarne un cascadeur psychopathe harcelant et assassinant des femmes. C'est le deuxième film mettant en vedette Winstead et Russell après L'École fantastique, bien qu'elle ne filme ses scènes qu'avec Dawson, Thoms et Bell. Bien qu'ayant été un échec commercial, Boulevard de la mort attire un buzz significatif et des critiques favorables, le magazine Variety notant que « l'émergence de Winstead est un plus agréable [au film] »28,29. Son prochain long-métrage de l'année est Die Hard 4 : Retour en enfer, face à Bruce Willis, dans lequel elle tient le rôle de Lucy, fille distante de John McClane4. Le film rapporte 383,5 millions de $ de recettes mondiales et reçoit de bonnes critiques30,31. En 2008, elle porte pour la première fois un long-métrage, le drame musical Dancing Girls, de Darren Grant32. Le film obtient une sorti directement en DVD aux États-Unis et a peu de succès en salles au Royaume-Uni. Néanmoins, ce fut une joie pour Winstead, qui a rêvé d'être danseuse. Les critiques sont convenus que la jeune femme était le meilleur atout du film, notamment en « compensant la médiocrité générale de la direction »33,34. En 2010, elle tient le rôle principal féminin, celui de l'iconique Ramona Flowers, dans le film d'action initiatique Scott Pilgrim, adaptation d'un comic écrit et réalisé par Edgar Wright, dans lequel elle est la co-vedette avec Michael Cera, qui tient le rôle-titre35. Elle se forme au combat durant deux mois pour se préparer et effectue la plupart de ses cascades36. Le tournage s'est déroulé de mars à août 200937 ,38. Si le film déçoit commercialement, il est acclamé par la critique. La performance de Winstead est bien accueillie, lui valant une nomination au Teen Choice Awards dans la catégorie meilleure actrice dans un film d'action39. En 2011, elle tient le rôle principal féminin du film d'horreur The Thing, préquelle du film éponyme réalisé par John Carpenter en 198240,41. The Thing suit un groupe de scientifiques qui découvrent un extraterrestre enterré profondément dans la glace de l'Antarctique, réalisant trop tard qu'il est encore vivant. Winstead incarne la paléontologue Kate Lloyd, un personnage qu'elle a basé sur sa sœur neurologue42,43. La réception critique est mitigée et n'obtient qu'un accueil commercial limitée44,45. La critique souligne toutefois la performance de Winstead en louant sa prestation46, notamment le Las Vegas Weekly affirmant qu'elle est « fait pour être un protagoniste attrayant, et Kate est dépeinte comme compétente sans être poussé dans un rôle improbable d'action-hero »47. En 2012, elle partage l'affiche avec Aaron Paul dans Smashed, drame indépendant réalisé par James Ponsoldt48, dans lequel elle incarne une institutrice alcoolique, dont le comportement asocial met en péril son emploi, qui se décide à devenir sobre. D'après elle, le tournage a duré dix-neuf jours49. Sa performance lui vaut des critiques élogieuses après sa projection au Festival de Sundance50,51, JoBlo.com notant qu'elle incarne « un type de personnage qui pourrait être digne d'un prix si on lui donne le genre de construction de jeu par n'importe quel studio qui l'a choisi »52. Smashed sort le 12 octobre 201253,54 et voit Winstead obtenir de nombreuses nominations notamment à l'Independent Spirit Award de la meilleure actrice55. Elle explique dans un interview pour la promotion de Smashed sur le site Collider sa fierté de travailler sur un projet indépendant56. Elle enchaîne avec Abraham Lincoln, chasseur de vampires, adaptation du roman éponyme de Seth Grahame-Smith57. Elle y joue Mary Todd, la compagne puis épouse du rôle titre. L'accueil critique est mitigée58, mais la prestation de Winstead est saluée59, notamment par un critique du Illinois Times trouvant qu'elle « humanise Mary [Todd Lincoln] en lui donnant un esprit ardent et le sens de la résolution face à une adversité considérable »60. Elle est également félicitée pour ses scènes l'opposant avec Benjamin Walker61. En 2013, Mary Elizabeth Winstead apparaît avec sa co-vedette de Scott Pilgrim, Brie Larson, mais aussi avec Miles Teller, Shailene Woodley, Kyle Chandler et Bob Odenkirk dans la comédie dramatico-romantique The Spectacular Now réalisé par James Ponsoldt, dans lequel elle tient le rôle de la sœur du personnage principal incarné par Teller68. L'adaptation cinématographique du roman de Tim Sharp obtient des critiques favorables et un bon résultat au box-office lors de sa sortie limitée aux États-Unis69,70,71,72. La même année, elle reprend le rôle de Lucy McClane dans Die Hard : Belle journée pour mourir, en filmant ses scènes en une journée49,73,74. Winstead déclare dans une interview avec Yahoo! qu'elle ne s'attendait pas à une autre suite, mais a eu du plaisir à reprendre le rapport père-fille75. Ses scènes sont uniquement présentes dans la version sortie en salles, car elles ont été coupées pour la version « director's cut » 76,77,78. Elle prête ses traits au rôle titre de la comédie dramatique Alex of Venice, première réalisation de l'acteur Chris Messina et écrit par Jessica Goldberg. Elle tient le rôle d'une avocate spécialisée dans les questions environnementales devant élever son fils de douze ans après que son mari l'a quitté79. Présenté au Festival international du film de San Francisco80, les critiques sont pour la plupart positifs, avec de nombreux commentaires louant la performance de l'actrice81,82, Variety, qualifiant sa prestation d'« extraordinaire »83. Le site web Twitch Film note une maturité de Winstead de « ses premiers rôles dans les films d'horreur à des produits plus impressionnants comme Smashed », tout en ajoutant qu'« elle a la grâce, le courage et sait comment déplacer le public et la caméra l'aime »84. En juillet 2013, elle tient ensuite le premier rôle féminin de Faults, thriller indépendant écrit et réalisé par son époux, Riley Stearns, dont c'est le premier long-métrage79. Winstead et son partenaire Leland Orser sont salués par la critique85, 86. En 2014, elle partage l'affiche avec Jeremy Renner et Rosemarie DeWitt dans le thriller Secret d'État, narrant l'histoire vraie du journaliste d'investigation Gary Webb, dans lequel Winstead dépeint l'éditrice de Webb au San Jose Mercury News87. Le film reçoit une sortie limitée en salles où il connaît un petit intérêt, malgré un succès critique88,89. En janvier 2015, Mary Elizabeth Winstead intègre le casting régulier de la série dramatico-fantastique The Returned, adaptation américaine de la série française Les Revenants. La série suit des habitants d'une petite ville dont les vies sont perturbées lorsque des personnes décédées depuis de nombreuses années commencent à réapparaître. Diffusé à partir du 9 mars 2015 sur la chaîne A&E, le programme reçoit des critiques positives90,91, mais est annulée au bout de dix épisodes faute d'audiences suffisantes92. La même année, elle fait une apparition en tant que guest-star dans un épisode de Comedy Bang! Bang!93. Son rôle suivant est celui de Mary Phinney (en) dans la série dramatique sur les droits civiques Mercy Street, diffusée sur PBS. La série, en six parties, narre l'histoire de deux infirmières volontaires des côtés opposées durant la Guerre de Sécession. Diffusé à la demande le 14 janvier 2016 avant une diffusion à la télévision trois jours plus tard94, Mercy Street obtient des critiques positives95, notamment en faisant l'éloge de la prestation de Winstead96. La série est renouvelée pour une deuxième saison97, diffusé à partir de janvier 201798. Au cinéma, elle est apparue dans la comédie dramatique indépendante Swiss Army Man, écrite et réalisée par Dan Kwan et Daniel Scheinert, dans lequel elle est la co-vedette avec Daniel Radcliffe et Paul Dano. Le film suit un homme sans espoir échoué sur une île qui se lie d'amitié un corps mort en apparence alors qu'il tente de rentrer à la maison99. Présenté au Festival de Sundance 2016 et sorti dans des salles limitées, Swiss Army Man obtient un accueil favorable des critiques100. Elle obtient un rôle dans une autre comédie dramatique, La Famille Hollar, réalisé par l'acteur John Krasinski, dans lequel elle partage l'affiche avec Krasinski, Richard Jenkins, Anna Kendrick, Mary Kay Place et Margo Martindale101. Elle y incarne l'ex-petite amie du personnage de Krasinski, qui retourne au chevet de sa mère malade102. Également projeté à Sundance, La Famille Hollar est distribuée de manière limitée dans les salles américaines en août 2016103. En 2016, elle est à l'affiche du thriller de science-fiction 10 Cloverfield Lane, dans lequel elle prête ses traits à Michelle, une jeune femme tenue à l'abri avec deux hommes, qui prétendent le monde extérieur est affecté par une attaque chimique généralisée104. Sorti en mars 2016, le film, réalisé par Dan Trachtenberg105, reçoit un bon accueil critique 106. Daily Express trouve Winstead « sympathique » et fait remarquer qu'elle « crée un personnage qui est intelligent et ingénieux »107, tandis que James Berardinelli écrit qu'il s'agit un « bon choix » pour jouer l'héroïne car elle est « forte et féminine »108. 10 Cloverfield Lane fait le plus grand démarrage dans la carrière de Winstead dans un rôle de premier plan avec 24 millions $ en premier week-end d'exploitation109.

    Née à Rocky Mount, en Caroline du Nord, Mary Elizabeth Winstead est la plus jeune des cinq enfants de Betty Lou (née Knight) et James Ronald Winstead4,5,6. Son grand-père est le cousin de l'actrice Ava Gardner7. A cinq ans, sa famille emménage à Sandy, dans l'Utah, en banlieue de Salt Lake City6,8. Elle est scolarisée à la Peruvian Park Elementary9 où elle prend des cours avancés8. Danseuse et chanteuse talentueuse, Winstead étudie la danse dans un programme d'été de la Joffrey Ballet, à Chicago8 et chante dans l'International Children's Choir10. Dans sa jeunesse elle espérait initialement poursuivre une carrière de ballerine en apparaissant dans des productions locales de ballet8, mais est forcée d'arrêter le ballet à l'adolescence en raison de sa taille.

    Toujours en 2006, elle tient un rôle dans le film Bobby, réalisé par Emilio Estevez, narrant les dernières heures de Robert Kennedy24. Winstead s'intéresse au projet après avoir appris qu'Anthony Hopkins24. Bobby obtient un succès commercial modéré au box-office dans certains cinémas et reçoit des commentaires mitigées25, avec beaucoup de critiques dirigées sur le script26. Le casting du film est nommé pour le Screen Actors Guild Award pour le meilleur casting dans un film, mais a finalement remporté le Hollywood Film Festival Award de la meilleure distribution d'ensemble27.

    En 2012, elle apparaît avec Topher Grace dans The Beauty Inside, un « film social interactif » divisé en six épisodes entrecoupés de récits interactifs sur la chronologie du compte Facebook du personnage principal, Alex, qui se réveille chaque jour avec une apparence différente. Winstead incarne l'intérêt amoureux d'Alex. La web série a servi de campagne publicitaire pour Intel et Toshiba et est diffusée du 16 août au 20 septembre 201266,67.

    Winstead apparaît dans le rôle principal de la série de thriller poltiico-comique de CBS BrainDead, où elle incarne Laurel, fille d'une dynastie politique démocrate qui a quitté Washington, pour devenir réalisatrice de documentaires, mais revient ans les affaires de la famille quand son frère a besoin d'aide politique110. La série est diffusée à partir du 13 Juin 2016 et sa première saison sera composée de 13 épisodes111,112. La série a reçu des critiques alant de mitigés à positives113,114 avec New York Magazine appelant le choix des producteurs concernant Winstead comme la « plus intelligente des décisions » et The A.V. Club trouve qu'elle est une « formidable héroïne »115. Toutefois, la série n'est pas renouvelée116.

    Mary Elizabeth Winstead fut l'épouse du réalisateur et scénariste Riley Stearns132, rencontré lors d'une croisière lorsqu'elle avait dix-huit ans. Ils se sont mariés en 2010133. Le 13 mai 2017, l'actrice annonce sur son compte Instagram qu'elle s'apprête à divorcer avec Stearns, ajoutant qu'ils « resteront meilleurs amis et collaborateurs pour le reste de leurs jours » et qu'ils sont « toujours présents pour le bon comme le mauvais, juste d'une façon différente maintenant »134,135. En novembre 2017, sa relation avec l'acteur Ewan McGregor, rencontré sur le tournage de Fargo, est rendue publique.136.

    Le 31 août 2014, elle est victime, avec une centaine d'autres stars telles que Jennifer Lawrence, Hayden Panettiere, Vanessa Hudgens et beaucoup d'autres, d'un hacker qui publie des clichés dénudées d'elles137.

    En France, Mary Elizabeth Winstead est doublée régulièrement par Ingrid Donnadieu. Il y a également Alexandra Garijo et Josy Bernard qui l'ont doublée respectivement à quatre et deux reprises. Au Québec, Geneviève Désilets la double régulièrement.

  6. Teenage Paparazzo - Wikipedia, la enciclopedia libre

    es.wikipedia.org/wiki/Teenage_Paparazzo

    1 day ago · Teenage Paparazzo se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2010. [2] Se emitió por HBO el 27 de septiembre de 2010, [ 3 ] y fue lanzada en DVD el 29 de marzo de 2011. [ 4 ]

  7. Every Time I Die (2019) - IMDb

    www.imdb.com/title/tt6659936

    1 day ago · Directed by Robi Michael. With Marc Menchaca, Erica Camarano, Melissa Macedo, Kevin D. Benton. When Sam is murdered in a remote lake, his consciousness begins to travel through the bodies of his friends in an effort to protect them from his killer.

  8. Banksy - Wikipedia

    it.wikipedia.org/wiki/Banksy

    22 hours ago · Banksy ha creato un film documentario, Exit Through the Gift Shop, definito "il primo disastro del mondo dell'arte di strada", che ha fatto il suo debutto al Sundance Film Festival del 2010 Il film è uscito nel Regno Unito il 5 marzo 2010 e nel gennaio 2011 è stato candidato all'Oscar al miglior documentario Nel 2014 è stato premiato come ...

  9. Ewan McGregor - Wikipedia, la enciclopedia libre

    es.wikipedia.org/wiki/Ewan_McGregor

    22 hours ago · Ewan Gordon McGregor /ˈjuːən ˈgɔːdən məˈɡreɡə/ (Perth; 31 de marzo de 1971) es un actor y director de cine y televisión escocés, principalmente famoso por haber protagonizado la película de culto Trainspotting (1996), las películas románticas de Hollywood Moulin Rouge (2001) y Abajo el amor (2003), y por haber interpretado a Obi-Wan Kenobi en los tres primeros episodios de la ...

  10. Nicole Kidman — Wikipédia

    fr.wikipedia.org/wiki/Nicole_Kidman
    • Carrière
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    Au cours de sa carrière, elle interprète de nombreux rôles marquants, notamment dans Prête à tout (1995) de Gus Van Sant, film qui la révèle au grand public et où elle tient le rôle d'une jeune journaliste obsédée par la célébrité. Ses compositions mémorables incluent le rôle d'une femme dont le mariage est en difficulté dans le sulfureux dernier film de Stanley Kubrick, Eyes Wide Shut (1999), son interprétation d'une danseuse de cabaret dans le film musical de Baz Luhrmann, Moulin Rouge (2001), pour lequel elle reçoit sa première nomination à l'Oscar, ou encore sa performance inquiétante dans le thriller d'Alejandro Amenábar, Les Autres (2001). Son incarnation de Virginia Woolf dans The Hours en 2002 lui vaut l'Oscar, le Golden Globe, le BAFTA et l'Ours d'argent de la meilleure actrice. Devenue lune des actrices les plus célèbres et les mieux payées dHollywood, Kidman est dirigée par les plus grands réalisateurs et sessaie à différents genres, passant du drame historique d'Anthony Minghella, Retour à Cold Mountain (2003), au drame expérimental de Lars von Trier, Dogville (2003), du film fantastique À la croisée des mondes : La Boussole d'or (2007) à la fresque de Baz Luhrmann, Australia (2008), du drame intimiste Rabbit Hole (2010) au thriller sulfureux de Lee Daniels, Paperboy (2012). Son interprétation d'une femme victime de violences conjugales dans la série Big Little Lies (2017) lui vaut deux Emmy Awards et le Golden Globe de la meilleure actrice dans une mini-série ou un téléfilm. En 1983, Nicole Kidman fait ses débuts au cinéma à l'âge de 16 ans lorsqu'elle décroche un rôle dans le drame australien Bush Christmas, qui rencontre un certain succès dans son pays d'origine. La même année, elle figure au générique du Gang des BMX et tient un second rôle dans la série télévisée Diligence Express. Elle continue à mener sa carrière en Australie en apparaissant dans plusieurs films pour le cinéma et la télévision avant de tenter l'aventure hollywoodienne11. La même année, Nicole Kidman est nommée pour la première fois de sa carrière aux Golden Globes, dans la catégorie « meilleure actrice dans un second rôle », pour sa performance dans Billy Bathgate, où elle joue face à Dustin Hoffman. En 1993, elle joue une manipulatrice dans le thriller psychologique Malice, face à Alec Baldwin et Bill Pullman, et apparaît aux côtés de Michael Keaton dans le drame My Life. La même année, Nicole Kidman joue dans le film de super-héros Batman Forever, réalisé par Joel Schumacher, troisième volet de la saga Batman, avec Val Kilmer dans le rôle-titre. Le film est un grand succès commercial, avec plus de 336 millions de dollars de recettes. En 1996, Nicole Kidman tient le rôle principal du drame intimiste de Jane Campion, Portrait de femme, d'après le roman éponyme de Henry James, avec également John Malkovich et Mary-Louise Parker. L'actrice joue ensuite face à George Clooney dans le film d'action, Le Pacificateur, en 1997, puis face à Sandra Bullock dans la comédie fantastique, Les Ensorceleuses, en 1998. En 2003, elle tient le rôle principal du drame expérimental de Lars von Trier, Dogville, tourné dans un décor minimaliste. Elle y joue une jeune femme poursuivie par des gangsters, Grace, qui trouve refuge dans la ville minière de Dogville et finit par devenir l'esclave de ses habitants. Nicole Kidman est fascinée par le scénario, que Von Trier a écrit spécialement pour elle, et reste dans la peau de son personnage tout le long du tournage. La scène qui lui est le plus difficile à tourner est celle où Grace doit marcher une chaîne nouée autour de son cou et attachée à une lourde roue en métal. L'actrice manque de s'étouffer et l'équipe se rend compte à la fin de la prise qu'elle souffre réellement33. Présenté au Festival de Cannes, le film et la prestation de Kidman sont acclamés par la critique. The Guardian trouve l'actrice « formidable »34 tandis que The New York Times estime qu'elle arrive à « combiner parfaitement ruse et vulnérabilité »35. La même année, elle joue aux côtés d'Anthony Hopkins dans le drame La Couleur du mensonge, réalisé par Robert Benton. Le film est présenté hors compétition à la Mostra de Venise et reçoit des critiques mitigées. Toujours en 2003, Kidman tient l'un des rôles principaux du drame historique, Retour à Cold Mountain, de Anthony Minghella, avec également Jude Law et Renée Zellweger. Le tournage a lieu en Roumanie et est une expérience « profonde » et « magique » pour elle malgré les conditions extrêmes auxquelles l'équipe doit faire face. Le réalisateur se voit contraint de couper certaines scènes à cause de pluies torrentielles et une inondation du plateau. L'équipe doit également tourner en hiver sous des températures pouvant atteindre les - 40 degrés36. Le film est un succès critique et public avec 173 millions de dollars de recettes. Pour sa prestation, Nicole Kidman reçoit une nouvelle nomination pour un Golden Globe, dans la catégorie « meilleure actrice dans un film dramatique ». En 2004, l'actrice se voit proposer le rôle principal du drame Birth. L'histoire est celle d'Anna, une jeune femme perturbée par un garçon de dix ans qui prétend être la réincarnation de son défunt mari. Bien qu'elle aime le scénario, Nicole Kidman n'est pas sûre de vouloir faire le film mais change d'avis lorsqu'elle découvre que Jonathan Glazer, dont elle admire le précédent film Sexy Beast, doit en être le réalisateur37. Le film suscite la controverse à la Mostra de Venise, où il est présenté en compétition, en raison d'une scène où le personnage de Kidman prend un bain avec le jeune garçon. L'actrice déclare alors à la conférence de presse : « Ce n'est pas que je voulais faire un film où j'embrasse un garçon de dix ans. Je voulais faire un film où l'on comprend l'amour »38. Alors que le film divise la critique, la performance de l'actrice est à nouveau saluée et lui permet d'être proposée pour la septième fois de sa carrière aux Golden Globes, dans la catégorie « meilleure actrice dans un film dramatique ». Les Inrocks écrivent dans leur critique du film : « Nicole Kidman se révèle une fois de plus absolument géniale. Elle est aujourd'hui la plus grande star du cinéma mondial et aussi une des plus grandes actrices contemporaines, alignant les performances remarquables mais surtout, ce qui est encore plus précieux, choisissant les bons films et les vrais cinéastes »39. Le seul film dans lequel apparaît Nicole Kidman l'année suivante est la fresque Australia, pour laquelle elle retrouve le réalisateur Baz Luhrmann. L'actrice donne son accord sans même avoir lu le scénario. L'histoire se déroule dans le nord de l'Australie et narre la romance entre une aristocrate anglaise, qu'elle incarne, et un cow boy, joué par Hugh Jackman au moment où les japonais s'apprêtent à bombarder Darwin pendant la Seconde Guerre mondiale. Pour les besoins du film, Kidman apprend à rassembler un troupeau et à castrer des jeunes taureaux51. L'expérience se révèle épuisante pour l'équipe en raison des longues journées de travail et des conditions extrêmes de tournage. Nicole Kidman, comme Hugh Jackman, s'évanouit même au cours d'une scène à cheval en raison de la chaleur52. L'actrice sauve également la vie de son partenaire en lui enlevant un scorpion venimeux de la jambe53. Annoncé comme le nouveau Autant en emporte le vent, Australia reçoit un accueil mitigé de la part de la critique lors de sa sortie et engendre plus de 211 millions de dollars de recettes au niveau mondial. L'année suivante, Nicole Kidman tourne dans le film musical de Rob Marshall, Nine, adapté du Huit et demi de Federico Fellini. Elle y joue un rôle écrit spécialement pour elle, celui d'une star de cinéma inspirée par Anita Ekberg dans La dolce vita54. Le film n'est pas un succès mais Nicole Kidman partage une nomination pour le Screen Actors Guild Award de la meilleure distribution avec ses partenaires du film, Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench ou encore Sophia Loren. L'année suivante, Nicole Kidman incarne Grace Kelly, actrice américaine devenue princesse de Monaco, dans le film biographique Grace de Monaco. Deux ans plus tôt, elle est emballée par la lecture du scénario et demande à son agent de prendre contact avec le réalisateur Olivier Dahan. Ce dernier sapprête à faire son choix parmi une dizaine dactrices, dont Charlize Theron, Gwyneth Paltrow et Jessica Chastain, et nest pas convaincu que Kidman soit linterprète idéale pour jouer le rôle-titre74. Il accepte tout de même de la rencontrer et décide de lui offrir le rôle après avoir vu les similitudes entre sa vie et celle du personnage75. L'histoire, située en 1962 sur fond de conflit fiscal entre Monaco et la France, évoque, de manière fictive, le conflit intérieur de Grace Kelly sur le choix entre son devoir de princesse et sa carrière d'actrice. Pour se préparer au rôle, Nicole Kidman, qui se dit fascinée par le personnage et honorée de pouvoir linterpréter, revoit en boucle tous les films dans lesquels a joué Kelly et lit une dizaine de biographies76. Le film est dans l'ensemble mal accueilli par la critique lors de sa présentation au Festival de Cannes 2014 et Nicole Kidman elle-même reconnaît sa déception quant au résultat final77,78. La même année, l'actrice est à laffiche du thriller psychologique Avant d'aller dormir de Rowan Joffé pour lequel elle retrouve Colin Firth. Elle y joue le rôle d'une femme amnésique qui, à la suite d'un accident de voiture, ne se rappelle plus ce quelle a fait la veille. Sa performance est saluée par la presse, à l'instar de The Guardian qui qualifie son jeu « de premier ordre » alors qu'elle doit exprimer « à la fois incertitude et paranoïa »79. Toujours en 2014, Nicole Kidman tient le rôle de Millicent Clyde, une taxidermiste, qui poursuit un petit ours pour l'empailler, dans le film pour enfant Paddington. Pour les besoins du tournage, Kidman assure la plupart de ses cascades et apprend à lancer des couteaux80. Le film reçoit de très bonnes critiques et connaît un grand succès commercial. En 2015, Nicole Kidman tient le rôle principal du drame intimiste Strangerland, celui d'une femme confrontée avec son mari, joué par Joseph Fiennes, à la disparition de ses deux enfants81,82. L'actrice joue ensuite sous la direction de Werner Herzog dans Queen of the Desert, aux côtés de James Franco, Damian Lewis et Robert Pattinson. Elle y incarne Gertrude Bell, femme de lettres, archéologue et espionne britannique, travaillant sous couverture au Moyen-Orient au début du XXe siècle. Elle est chargée en 1915, pendant la Première Guerre mondiale, de rejoindre Lawrence d'Arabie, afin de rallier les tribus arabe à la cause de la Triple-Entente et d'installer la dynastie des Hachémites en Irak. Le film est pour Nicole Kidman une expérience « magnifique » qu'elle décrit comme « un rêve passé dans le monde de Herzog »83. Ce dernier, connu pour ses conditions de tournage extrêmes, tourne au Maroc pendant de véritables tempêtes de sable84. Le réalisateur est conquit par son actrice, qu'il décrit comme « phénoménale ». Il estime également qu'il y a « quelque chose en elle qui n'a pas été assez découvert » et ajoute que sa prestation dans le film est « sans précédent » : « Je ne connais aucun film de la décennie passée avec une performance féminine de son calibre »85. Nicole Kidman accepte ensuite la proposition de Julia Roberts d'être sa partenaire dans le thriller Aux yeux de tous86.

    Depuis plusieurs années, Nicole Kidman met sa notoriété au service de la défense des droits des femmes et des enfants. Elle est devenue ambassadrice de bonne volonté pour l'Unicef en 1994 et pour l'UNIFEM en 2006. Divorcée de l'acteur Tom Cruise, elle se remarie avec le chanteur country Keith Urban. Nicole Mary Kidman est l'aînée de deux enfants. Sa sœur, Antonia Kidman, deviendra journaliste. Son père, le Dr Anthony David Kidman est biochimiste, psychologue et écrivain. Il possède un cabinet à Lane Cove, Nouvelle-Galles du Sud, Australie2,3,4. Sa mère, Janelle Ann Glenny, est enseignante dans une école d'infirmières et membre de la Women's Electoral Lobby. Elle édite les livres de son mari. À la naissance de Nicole Kidman en 1967, son père est professeur invité au National Institute of Mental Health des États-Unis. La famille retourne en Australie lorsque la petite Nicole a quatre ans. Ses parents habitent North Shore, près de Sydney. Nicole Kidman a des ascendants irlandais par ses aïeux, James et Bridget Callachor, établis à Sydney en 18425. En 1989, Nicole Kidman joue sous la direction de Phillip Noyce dans le thriller australo-américain Calme blanc, pour lequel elle donne la réplique à Sam Neill et Billy Zane. Variety écrit : « Tout au long du film, Kidman est excellente. Elle donne à son personnage une réelle ténacité et énergie »12. Le critique Roger Ebert souligne de son côté l'alchimie entre les personnages et estime que « Kidman et Zane génèrent une véritable haine palpable dans leurs scènes ensemble »13. Après avoir vu le film, Tom Cruise impose Nicole Kidman pour être sa partenaire l'année suivante dans le film d'action Jours de tonnerre de Tony Scott14. Les deux acteurs tombent amoureux pendant le tournage, mais Nicole Kidman est en couple avec l'acteur australien Marcus Graham (en) et Tom Cruise marié avec la productrice Mimi Rogers15. Ce dernier divorce pour épouser Nicole Kidman le jour du Réveillon de Noël 1990, faisant de leur couple l'un des plus médiatisés d'Hollywood16. Ils se retrouvent devant la caméra de Ron Howard deux ans plus tard avec la fresque Horizons lointains. Le 24 décembre 1990, Nicole Kidman se marie avec l'acteur américain Tom Cruise, son partenaire dans le film Jours de tonnerre. Leur couple devient lun des plus en vue d'Hollywood. Ils adoptent une petite fille, Isabella, née le 22 décembre 1992, puis un garçon, Connor, né le 17 janvier 1995. Leur séparation est rendue publique en février 2001119 et le divorce, demandé par Tom Cruise pour « différends irréconciliables », est prononcé le 8 août de la même année120. La cause invoquée par la presse est celle d'une incompatibilité d'ordre religieux, Nicole Kidman souhaitant voir leurs enfants élevés dans la tradition catholique alors que Tom Cruise voulait suivre les préceptes de l'Église de Scientologie dont il est un fervent défenseur. Nicole Kidman est sous le choc lorsque son mari lui annonce son intention de la quitter42. Elle se concentre alors sur sa carrière et enchaîne les films. Lorsqu'elle reçoit son Oscar en 2003 pour son rôle dans The Hours, elle est au sommet de sa carrière et de sa popularité, mais lutte en privé contre la dépression31. Lors du sommet Women In the World auquel elle participe à Londres en 2015, Nicole Kidman déclare au cours d'un entretien : « Jétais assise dans le salon du Beverly Hills Hotel avec cette statuette dorée à la main. Cétait extraordinaire et pourtant je me sentais plus seule que jamais. Pour être vraiment honnête, je fuyais ma vie à ce moment-là. Je n'étais pas capable de faire face à la réalité de ma vie. »121 En janvier 2005, Nicole Kidman rencontre le chanteur et guitariste de country australien, Keith Urban, au G'Day USA, un événement honorant les Australiens. Leur relation débute six mois plus tard et le couple se marie le 25 juin 2006 dans une chapelle de Manly, la Cardinal Cerretti Memorial Chapel, à Sydney124. Au cours d'une interview réalisée en 2015, Nicole Kidman déclare : « On ne savait pas grand-chose l'un de l'autre. On a appris à se connaître pendant notre mariage. »121 Elle considère Urban comme étant « l'amour de sa vie. »31 Nicole Kidman donne naissance à une fille Sunday à Nashville le 7 juillet 2008125. Le couple annonce en février 2011 la naissance de leur deuxième fille, Faith, née le 28 décembre 2010 à Nashville d'une mère porteuse126. Nicole Kidman et Keith Urban résident principalement à Nashville et possèdent une propriété à Sydney127.

    Élevée dans la religion catholique, elle fait ses études à l'école publique de Lane Cove puis au North Sydney Girls' High School, des écoles religieuses destinées aux filles de la bonne société6. Elle se découvre très jeune une véritable passion pour la danse classique, avant de se tourner vers le théâtre qui lui permet de combattre sa timidité (elle est complexée par sa chevelure rousse et frisée, et sa grande taille : 5 pieds 10 pouces à l'âge adulte, soit environ 1,78 m)7. La réalisatrice Jane Campion la repère sur scène dès l'âge de treize ans et veut la faire jouer dans un court-métrage mais l'école lui interdit de s'absenter8. En 1984, un cancer du sein diagnostiqué chez sa mère contraint Nicole Kidman, alors âgée de 17 ans, à interrompre ses études et à travailler comme masseuse kinésithérapeute pour subvenir aux besoins de la famille9. Elle reprend ses cours au Victorian College of the Arts de Melbourne puis, avec Naomi Watts, au Phillip Street Theatre de Sydney avant de postuler avec succès à l'Australian Theatre for Young People10.

    En 1999, Nicole Kidman joue dans Eyes Wide Shut, le film testament de Stanley Kubrick, un thriller psychologique pour lequel elle donne la réplique à Tom Cruise une troisième et dernière fois. Le film, une adaptation de la nouvelle de l'écrivain autrichien Arthur Schnitzler, La Nouvelle rêvée, est un voyage entre le réel et l'imaginaire, et suit l'errance dans la nuit d'un médecin, obsédé par la révélation de sa femme d'avoir failli céder à la tentation d'un autre et à la recherche de ses propres fantasme. Le tournage a lieu dans le plus grand secret à Londres et dure quinze mois, en raison de la personnalité méticuleuse et perfectionniste du réalisateur, comme le confirmera l'actrice : « Stanley ne se pressait pas. Le temps était ce qu'il y avait de plus important pour lui. Il était prêt à renoncer à certains extérieurs pour économiser de l'argent, mais pas à sacrifier du temps »19. Eyes Wide Shut est également l'un des tournages les plus éprouvants de sa carrière : « Tous les deux, nous devions affronter la jalousie et le sexe c'était toujours là, dans un coin de notre tête. Nous avons tourné pendant dix mois et demi mais sommes restés là pendant un an et demi. C'était vraiment un drôle de truc d'avoir ça à l'esprit tout le temps, jour après jour. On ne s'en débarrasse jamais complètement. Stanley non plus »19. Le film est un succès, avec plus de 205 millions de recettes, et l'actrice se voit acclamée par la critique pour sa performance. Variety écrit : « Kidman est sensationnelle et lumineuse par la façon dont elle habite son personnage »20. Eyes Wide Shut lui permet également de sortir définitivement de l'ombre de son mari : Pendant son temps libre sur le tournage d'Eyes Wide Shut, Nicole Kidman voit plusieurs pièces de théâtre22. Elle rencontre le dramaturge David Hare ainsi que le metteur en scène Sam Mendes et leur parle de son désir de jouer sur scène. Sam Mendès demande alors à Hare d'adapter la pièce de Arthur Schnitzler, La Ronde, qu'il rebaptise The Blue Room23. Nicole Kidman a pour seul partenaire l'acteur britannique Iain Glen et les deux doivent jouer chacun cinq personnages. Kidman interprète une jeune femme naïve, une fille au pair, une épouse, un mannequin et une actrice23. La pièce, jouée en 1998 au théâtre Donmar Warehouse de Londres, est un triomphe et la performance de l'actrice est célébrée aussi par la presse que le public. La critique devenue célèbre du The Daily Telegraph la décrit comme du « pure theatrical Viagra »24. En 2001, l'année de son divorce très médiatisé d'avec Tom Cruise, Nicole Kidman est l'héroïne du film musical de Baz Luhrmann, Moulin Rouge, dans lequel elle joue Satine, une danseuse de cabaret dont tombe amoureux un jeune poète anglais, Christian, interprété par Ewan McGregor. Elle commence un long processus de préparation en prenant des cours de chant et de danse. Au cours d'une répétition précédant le tournage, Ewan McGregor manque de la rattraper alors qu'elle se lance dans ses bras pour les besoins d'une scène25. Malgré une côte fracturée, Kidman est rétablie lorsqu'elle commence les prises du vues en novembre 1999. Le tournage dure huit mois et l'expérience et s'avère difficile pour elle. Elle doit porter tous les jours un corset serré au maximum afin d'avoir la taille la plus fine possible26. Vers la fin du tournage, elle chute d'un escalier servant au décor. Elle se froisse alors un cartilage et deux de ses côtes sont fracturées. Malgré la souffrance qu'elle ressent, Kidman revient sur le plateau après deux semaines de convalescence25. Le film, qui fait l'ouverture du Festival de Cannes 2001, est un triomphe tant sur le plan artistique que commercial et devient l'un des films populaires de l'actrice. Dans sa critique du film, Variety la compare aux « déesses de l'écran » Marlene Dietrich, Greta Garbo et Marilyn Monroe27. Pour son interprétation, Nicole Kidman reçoit sa première nomination à l'Oscar de la meilleure actrice et remporte son second Golden Globe, dans la catégorie « meilleure actrice dans un film musical ou une comédie ». En 2002, elle partage l'affiche du film de Stephen Daldry, The Hours, avec Meryl Streep et Julianne Moore. Elle y interprète la romancière Virginia Woolf durant les années 1920 au moment où, accablée par la maladie mentale, elle commence l'écriture de son roman, Mrs Dalloway. Nicole Kidman accepte de tourner le film en raison des parallèles qu'elle voit entre sa vie et celle de Woolf. La scène où son personnage fuit le domicile conjugal et une vie qui lui est devenue insupportable la touche particulièrement : « Je me souviens mot pour mot de ce qu'elle dit à ce moment : « Je mène une existence que je n'ai plus le moindre désir de poursuivre. J'habite dans une ville où je n'ai plus la moindre volonté de vivre. » Je m'en souviens car, jamais, les mots placés dans la bouche d'un de mes personnages n'avaient à ce point semblé m'appartenir »21. Pour jouer Woolf, Kidman porte un faux nez et apprend à écrire de la main droite. En pleine dépression au moment du tournage, elle avoue plus tard avoir eu des idées de suicide. C'est en tournant la scène où Woolf met fin à ses jours que Kidman choisit de vivre : « À cette époque, j'étais au plus bas et jouer Woolf m'a permis d'apprécier la vie. »31 Le film est un succès aussi bien critique que commercial. Nicole Kidman remporte plusieurs prix pour sa prestation, un Ours d'argent de la meilleure actrice, quelle partage avec Streep et Moore, un BAFTA, son troisième Golden Globe, dans la catégorie « meilleure actrice dans un film dramatique », et devient la première actrice australienne à recevoir l'Oscar de la meilleure actrice. Lors de son discours de remerciements à la 75e cérémonie des Oscars en 2003, Nicole Kidman rappelle l'importance de l'art, alors que la Guerre d'Irak a débuté quelques jours plus tôt : Lors de la promotion d'Australia, et alors qu'elle a déjà terminé le tournage de Nine, Nicole Kidman annonce qu'elle songe à mettre un terme à sa carrière d'actrice pour se consacrer entièrement à sa famille55. Sa mère réussit cependant à l'en dissuader56. L'actrice fonde alors sa société de production, Blossom Films, et ne se lance désormais que dans les projets qu'elle choisit : « Je veux des grands réalisateurs ou des projets qui m'intriguent, des films sur l'exploration de l'âme humaine, sans la juger ». Elle achète les droits de la pièce Rabbit Hole de David Lindsay-Abaire, lauréat du Prix Pulitzer, après y avoir vu le potentiel d'un grand rôle et passe un an à réunir le budget d'environ cinq millions de dollars57. L'histoire est celle d'un couple qui tente de redonner un sens à sa vie après la mort de son enfant. Sam Raimi est engagé à la réalisation mais se désiste finalement au profit de John Cameron Mitchell. Le tournage est pour Nicole Kidman « émotionnellement épuisant » et « perturbant » : « Je savais que le faire serait dangereux, mais je ne pouvais pas prévoir que cela me dérangerait à un niveau aussi profond. En même temps, il s'agissait d'aller vers ce qui est probablement l'une de mes plus grandes peurs, et ce n'est pas nécessairement une mauvaise chose. Le film et la pièce ont été construits d'une telle façon qu'il se dégage énormément d'espoir de l'histoire »58. Rabbit Hole est pour la première fois présenté au Festival international du film de Toronto 2010 où l'équipe reçoit une ovation debout de la part du public. Le film est également plébiscité par la presse et la prestation de Nicole Kidman fait l'unanimité. Elle est jugée « exceptionnelle » par le Los Angeles Times59, « remarquable » pour Les Inrocks60, « stupéfiante - subtile, féroce, brutalement drôle et tendre lorsque l'on s'y attend le moins » pour Rolling Stone61 tandis que The Telegraph estime qu'il s'agit là de son meilleur rôle depuis Birth62. L'actrice reçoit sa troisième nomination à l'Oscar et est aussi proposée pour un Screen Actors Guild Award et un Golden Globe. L'année suivante, Nicole Kidman souhaite tourner un film léger après Rabbit Hole et fait une apparition dans Le Mytho, une comédie avec Adam Sandler et Jennifer Aniston63. Elle retrouve ensuite Joel Schumacher pour le thriller Effraction où elle joue face à Nicolas Cage64. L'actrice estime être « arrivée à un stade de ma carrière où jai envie de me mettre davantage en danger » et cherche des « rôles forts » pour « être bousculée et poussée au-delà de mes limites »65. Ainsi, elle accepte de jouer sous la direction de Lee Daniels pour le film policier Paperboy, dans lequel elle interprète une nymphomane amoureuse d'un prisonnier, condamné à mort, qu'elle tente de sauver avec l'aide de deux journalistes : « Je trouve formidable que Lee ait pris le risque et mait crue capable de le faire, car la plupart des réalisateurs ne penseraient pas que je puisse jouer un tel personnage ». Le réalisateur prévient son actrice que le tournage sera difficile et lui fait tourner dès le premier jour une brutale scène de sexe avec John Cusack, mimer une fellation au parloir d'une prison le deuxième jour et uriner sur Zac Efron le troisième66. Nicole Kidman s'immerge intensément dans son personnage, au point de ne plus se rappeler la scène avec Cusack avant de voir le film terminé67. Elle refuse cependant de prendre du poids et de dire le mot « nègre », ayant un fils afro-américain68. Le film suscite la controverse en raison de son caractère sulfureux lors de sa présentation en compétition officielle au Festival de Cannes 2012. La performance de Nicole Kidman suscite les louanges de la critique et lui permet d'être proposée pour un Screen Actors Guild Award et un Golden Globe de la meilleure actrice dans un second rôle. La presse salue également son incarnation de la correspondante de guerre Martha Gellhorn dans Hemingway and Gellhorn, film biographique retraçant la vie de cette dernière avec l'écrivain Ernest Hemingway, incarné par Clive Owen. The Hollywood Reporter la trouve « remarquable » et ajoute, en faisant référence à son incarnation de Virginia Woolf dans The Hours, qu'elle « excelle à interpréter les écrivains du 20e siècle »69. En 2013, Nicole Kidman est membre du jury des longs métrages du Festival de Cannes, présidé par le réalisateur américain Steven Spielberg. La même année, elle joue aux côtés de Mia Wasikowska et Matthew Goode dans le thriller psychologique Stoker. Bien qu'aimant le scénario et malgré son envie de travailler avec le réalisateur Park Chan-wook, l'actrice commence par refuser le rôle qui lui est proposé, celui d'une femme devant faire face à la mort soudaine de son mari, pour passer du temps avec sa famille. Chan-wook lui propose alors de tourner à Nashville où elle habite. Kidman accepte et commence le tournage une semaine après avoir terminé celui de Paperboy70. Le film est présenté au Festival du film de Sundance 2013 et reçoit des critiques positives. Pour le Chicago Sun-Times, l'actrice est « merveilleuse dans un rôle qu'aurait pu écrire Tennessee Williams »71. La même année, Colin Firth la sollicite pour être sa partenaire dans Les Voies du destin, d'après l'histoire vraie d'Eric Lomax. Nicole Kidman accepte d'incarner la femme de ce dernier, Patti. Cette dernière découvre que l'officier japonais qui a traumatisé et torturé son époux durant la construction de la « voie ferrée de la mort » est toujours vivant. Afin de simprégner du personnage, l'actrice regarde en boucle un entretien de plusieurs heures entre le producteur du film et la femme qu'elle doit incarner72. Sa rencontre avec la véritable Patti Lomax a lieu pendant le tournage du film. Le film est présenté au Festival international du film de Toronto où il reçoit de très bonnes critiques. Patti Lomax se déclare « très impressionnée » par la prestation de l'actrice73.

    L'actrice doit ensuite refuser la proposition de Martin Scorsese d'incarner Katharine Hepburn dans son film Aviator. Nicole Kidman s'est en effet déjà engagée sur la comédie fantastique Et l'homme créa la femme, seconde adaptation du roman satirique d'Ira Levin, Les Femmes de Stepford, décision qu'elle ne tarde pas à regretter. L'actrice, tout comme ses partenaires Christopher Walken, Glenn Close et Bette Midler, ne s'entend pas avec le réalisateur Frank Oz40. À la suite de projections test désastreuses, le film est réécrit et de nouvelles scènes sont tournées41. Mécontente du nouveau scénario, Nicole Kidman songe même à quitter le projet. Le film reçoit un accueil désastreux de la part de la critique et n'obtient pas le succès commercial escompté. L'année suivante, l'actrice joue sous la direction de Sydney Pollack dans le thriller politique L'Interprète et donne pour l'occasion la réplique à Sean Penn. Elle y tient le rôle d'une interprète à l'ONU traquée par des tueurs après avoir surpris une conversation révélant un complot contre un chef d'État africain. Le film reçoit des critiques mitigées mais est un succès public. La même année, Nicole Kidman reprend le rôle d'Elizabeth Montgomery dans l'adaptation au cinéma de Ma sorcière bien-aimée. Le scénario narre l'histoire d'Isabel, une jeune sorcière déterminée à vivre sans sorcellerie et à qui un jeune acteur, joué par Will Ferrell, propose de jouer à ses côtés dans le remake de la série Ma sorcière bien-aimée. Le film reçoit en majorité des critiques négatives et n'obtient pas le succès escompté au box-office. Suite à l'échec relatif de ses derniers films, l'actrice est surnommée « poison du box-office » par la presse46. Variety constate, qu'à l'instar de George Clooney, Brad Pitt ou Angelina Jolie, son nom ne garantit plus les entrées en salles pour les studios et ce, malgré son immense popularité47. Après l'échec d'Invasion, dont elle refuse d'assurer la promotion, Nicole Kidman confie dans un entretien avec USA Today avoir beaucoup tourné, sans beaucoup de discernement, pour compenser son divorce d'avec Tom Cruise et déclare à propos de ses derniers films : « On ne sait jamais ce qu'un film va donner. On donne tout ce qu'on peut pour qu'il soit bon, mais le temps est trop précieux pour qu'on le passe à agoniser sur les films qui n'ont pas marché ». En 2007, Nicole Kidman joue dans le film À la croisée des mondes : La Boussole d'or, réalisé par Chris Weitz et adapté du livre Les Royaumes du Nord, premier tome de la trilogie À la croisée des mondes écrite par Philip Pullman. N'étant pas fan du genre fantastique, elle commence par refuser d'interpréter la méchante Marisa Coulter. Weitz et Pullman lui font alors parvenir chacun une lettre lui demandant de reconsidérer le rôle et l'actrice, saisissant la complexité du personnage, finit par accepter48. L'accueil critique du film est mitigé mais le jeu de Nicole Kidman est une nouvelle fois salué. Pour The Guardian, l'actrice est « à son meilleur dans ce genre de rôle : sculpturale, élégante, séduisante, avec une certaine froideur »49, tandis que The New York Times estime qu'elle est une « déesse de glace parfaite » et loue sa grande beauté50. Malgré plus de 372 millions de dollars de recettes, le film n'est pas le succès commercial escompté par le studio New Line Cinema, qui abandonne l'idée d'en faire une suite. Nicole Kidman tient ensuite l'un des rôles principaux de la série Big Little Lies, aux côtés de Reese Witherspoon, Shailene Woodley et Laura Dern. L'actrice est également productrice exécutive de cette adaptation du roman Petits secrets, grands mensonges de Liane Moriarty dont elle est, avec Reese Witherspoon, à l'initiative93. L'intrigue se concentre sur trois mères de familles dont les vies, en apparence parfaites, sont bouleversées par un meurtre. Nicole Kidman y incarne Celeste Wright, une femme enfermée dans une relation abusive, victime de violences physiques et psychologiques de la part de son mari. L'actrice s'immerge intensément dans son rôle et ressort profondément marquée par les scènes violentes qu'elle doit jouer : « Je me souviens avoir été étendue sur le sol dans le dernier épisode, en sous-vêtements, et j'avais été particulièrement maltraitée. Je suis juste restée sur le sol, je ne pouvais pas me lever, je ne voulais pas me lever. Je me souviens que le réalisateur est venu et m'a couverte d'une serviette entre les prises. Je me sentais complètement humiliée et dévastée. Et en colère à l'intérieur »94. Réalisée par Jean-Marc Vallée, Big Little Lies est acclamée par la critique et rencontre un grand succès lors de sa diffusion sur la chaîne HBO et dans le reste du monde. La série permet à Nicole Kidman de remporter deux Primetime Emmy Awards : celui de la meilleure mini-série ou du meilleur téléfilm et celui de la meilleure actrice dans une mini-série ou un téléfilm pour sa performance. Lors de la remise de ce dernier prix, l'actrice dénonce les violences domestiques qu'elle qualifie de « maladie compliquée, insidieuse, qui existe bien plus souvent que ce que nous voulons nous avouer. Elle est remplie de honte et empreinte de secret »95. Elle est également récompensée par un Golden Globe (le quatrième de sa carrière), celui de la meilleure actrice dans une mini-série ou un téléfilm. En recevant cette distinction, Kidman célèbre la « puissance des femmes » et déclare dans son discours : « Je suis persuadée et jespère vraiment que nous pouvons provoquer des changements grâce aux histoires que nous racontons et à la façon dont nous les racontons »96. La même année, Nicole Kidman présente quatre œuvres lors du 70e Festival de Cannes : deux films en compétition (Mise à mort du cerf sacré et Les Proies), un film hors-compétition (How to Talk to Girls at Parties), ainsi que la série Top of the Lake: China Girl, présentée en séance spéciale. Le soir du palmarès, le jury présidé par Pedro Almodóvar lui attribue le Prix anniversaire du Festival de Cannes pour l'ensemble de son œuvre. Dans Mise à mort du cerf sacré, l'actrice incarne, sous la direction de Yórgos Lánthimos, la femme d'un chirurgien, joué par Colin Farrell, qui prend sous son aile un adolescent perturbé et se retrouve conduit à un impensable sacrifice. Le film, qu'elle juge « profondément dérangeant » et dont le tournage s'est révélé être une « expérience vraiment éprouvante », permet à Nicole Kidman de travailler avec un cinéaste qui, selon elle, n'a « pas peur de repousser les limites, de défricher des territoires interdits »97. L'actrice reçoit des critiques positives pour sa performance, à l'image de Vanity Fair, qui estime que cette « tragédie grecque dune violence inouïe où chaque plan provoque un vertige » Nicole Kidman « prouve une nouvelle fois que la déesse du malaise et de la stupéfaction, cest elle. Comme une couronne posée sur son grand front de biche »98. L'actrice donne une nouvelle fois la réplique à Colin Farrell dans Les Proies de Sofia Coppola, seconde adaptation éponyme du roman de Thomas P. Cullinan, dans lequel elle joue la directrice d'un pensionnat pour jeunes filles durant la Guerre de Sécession. La prestation de Nicole Kidman est jugée à la fois « magistrale » et « remarquable » par la presse. Le film est également bien reçu, à l'image de Numéro qui voit dans Les Proies un « film aussi sensible et fascinant que les précédentes œuvres de cette cinéaste dexception »99. L'actrice retrouve ensuite le réalisateur de Rabbit Hole, David Cameron Mitchell, pour la comédie de science-fiction How to Talk to Girls at Parties, dans laquelle elle interprète une extraterrestre punk, avant de tenir des seconds rôles, d'abord dans la série Top of the Lake: China Girl, qui marque ses retrouvailles avec Jane Campion, plus de vingt ans après Portrait de femme, puis dans la comédie The Upside, remake du film français Intouchables, qu'elle accepte afin d'avoir l'occasion de jouer avec Bryan Cranston97.

    La même année, l'actrice fait son retour au théâtre, dix-sept ans après The Blue Room, dans Photograph 51. Dans cette pièce écrite par Anna Ziegler et mise en scène par Michael Grandage, elle prête ses traits à la biologiste britannique Rosalind Franklin, qui a participé de manière déterminante à la découverte de la structure de l'ADN. Jouer Franklin est pour Kidman une manière de rendre hommage à son père, biochimiste renommé, disparu un an plus tôt87. La pièce, jouée du 5 septembre au 21 novembre 2015 au Théâtre Noël Coward de Londres, est acclamée par la critique, tout comme la performance de Nicole Kidman que The New York Times décrit comme « proche de la perfection »88. The Guardian estime qu'elle est « intelligente, réussissant à rendre aussi bien lhumanité, le côté chaleureux de la scientifique que sont agitation vis-à-vis du sexisme quelle rencontrait dans sa vie professionnelle. Il sagit véritablement dune performance remarquable dans laquelle Kidman nous rappelle que les scientifiques sont souvent animés par la passion »89. L'actrice se voit décerner le Prix Natasha Richardson de la meilleure actrice par le quotidien londonien Evening Standard pour sa performance dans la pièce90.

    En 2019, elle est l'une des têtes d'affiche du thriller Bombshell aux côtés de Charlize Theron et Margot Robbie. Le film est centré sur les expériences de divers membres du personnel féminin de Fox News et leurs altercations avec le fondateur de la chaîne, Roger Ailes. Elle y incarne Gretchen Carlson, une journaliste de télévision117,118.

    En 2015, Marty Rathbun, ancien scientologue, déclare dans le documentaire Going Clear avoir été chargé par la Scientologie de faciliter la séparation entre les deux acteurs122. Depuis le début de leur relation, Nicole Kidman est vue comme une « source potentielle de problème » par la secte en raison de sa religion catholique et du fait que son père soit psychologue, discipline à laquelle s'oppose la Scientologie. Toujours d'après Marty Rathbun, Nicole Kidman réussit à convaincre son mari de s'éloigner de la secte pendant le tournage d'Eyes Wide Shut. La Scientologie décide alors de mener une « campagne agressive » contre Kidman pour mettre fin à son mariage, engage un détective privé pour la suivre et fait mettre son téléphone sur écoute. Marty Rathbun estime également qu'après avoir convaincu Tom Cruise de divorcer, la Scientologie aurait réussi à retourner les deux enfants adoptés du couple contre leur mère122. Nicole Kidman ne s'est jamais exprimée publiquement sur la Scientologie et refuse d'en parler par respect pour ses enfants123.

    Nicole Kidman est présente dans le monde des médias depuis le début des années 1990. Son mariage avec Tom Cruise devient l'un des événements « people » les plus médiatisés au monde. Son agent la prévient du risque que cette relation peut avoir si elle veut imposer sa propre identité d'actrice : « Si tu deviens Madame Cruise aux yeux des critiques, ta carrière est morte »128. C'est avec Prête à tout (1995) que son talent est reconnu et Janet Maslin, dans sa critique du film pour The New York Times, écrit : « Avec ce film, Kidman s'est réinventée miraculeusement »129. Sa carrière connaît une ascension fulgurante l'année même de son divorce et sa prestation dans Moulin Rouge (2001) fait d'elle une icône du cinéma31.

    Le critique Roger Ebert distingue « deux Kidman » : « la star glamour de Moulin Rouge et Nine, et l'actrice aux choix risqués et audacieux de Birth, The Hours et Eyes Wide Shut ». Ebert estime également que « la célébrité a assombri son image; si elle était moins glamour, elle serait plus encensée. L'âge sera pour elle un véritable atout »130. L'année 2017 marque un véritable tournant dans la carrière de Nicole Kidman. Le succès critique et public de Big Little Lies amène plusieurs journaux à s'interroger sur les difficultés rencontrées par l'actrice tout au long de sa carrière afin d'être prise au sérieux, malgré son talent et sa capacité à se réinventer131,132,133,134. The Washington Post estime qu'elle appartient au « panthéon des grandes actrices » et conclut : « Son génie est tout aussi stratégique que technique, dans la façon dont elle met à profit sa célébrité, avec goût et sophistication. Grâce à ses dons techniques et physiques surnaturels, elle aurait pu facilement somnoler au cours des trente dernières années. Au lieu de cela, elle a choisi de garder les yeux grands ouverts »135.

    Il est possible d'analyser sa carrière grâce à certains thèmes qui reviennent régulièrement dans ses rôles : « une œuvre qui est la sienne, traverse celles de tous les cinéastes qui l'ont dirigée, et constitue un texte propre, extrêmement articulé17. » Un premier thème qui revient régulièrement est celui de la femme vue comme une sorcière, ce thème étant en rapport avec le mythe de la femme au foyer parfaite17. Prête à tout est un film qui a des allures de conte de fée où la psychopathe qu'elle incarne envoute un adolescent pour lui faire tuer son mari avant de finir dans un lac glacé, « cercueil de glace qui n'est pas sans évoquer Blanche-Neige17. » Dans Les Ensorceleuses elle incarne une sorcière responsable de la mort de plusieurs hommes, dans À la croisée des mondes : La Boussole d'or elle est une « magicienne maléfique » alors que dans Ma sorcière bien-aimée elle joue une sorcière qui essaye de rester une femme au foyer aussi ordinaire que possible à la demande de son mari17. Enfin dans Les Autres, elle est une mère de famille qui se révèle finalement infanticide et déjà morte17. « Peu d'actrices ont à ce point réfléchi sur l'identité féminine comme pure construction fabuleuse [...], monstrueuse dans son obsession de se conformer à une norme, puis aux confins de la criminalité et de la folie, lorsqu'elle sort des gonds de cette norme17. »

    Kidman est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes actrices du cinéma. Elle est reconnue pour l'audace de ses choix, alternant entre films populaires et cinéma indépendant, et n'hésite pas à « casser » son image de beauté froide en jouant des rôles à contre-emploi comme dans Paperboy. Sa prestation dans le film de Lee Daniels est jugée choquante et provocante, notamment à cause des scènes de sexe136. En 2002, elle est désignée comme la plus belle femme du monde par le magazine People137. Elle est également connue pour son style, chic et sophistiqué, et est régulièrement classée parmi les célébrités les mieux habillées138. Dans le documentaire Lagerfeld Confidential de Rodolphe Marconi, le grand couturier Karl Lagerfeld déclare : « Nicole, c'est la star absolue. » En 2004, elle est sélectionnée par le magazine Time dans sa liste des « 100 personnes les plus influentes dans le monde »139. En 2006, The Hollywood Reporter classe Kidman à la première place des actrices les mieux payées, empochant en moyenne 17 millions de dollars par film140. Sa fortune personnelle est estimée en 2015 à 331 millions de dollars141. En 2009, la poste nationale australienne sort un timbre à son effigie et à celle de son personnage de Satine dans Moulin Rouge !142.

    Depuis plusieurs années, Nicole Kidman met sa notoriété au service de diverses causes humanitaires à travers le monde. Elle devient ambassadrice de bonne volonté pour l'Unicef en 1994 et s'attache à mettre en lumière la condition des enfants défavorisés. En 2006, elle est nommée ambassadrice pour l'UNIFEM (« Fonds de développement des Nations unies pour la femme ») et consacre ses efforts à la sensibilisation de l'atteinte aux droits fondamentaux des femmes151. Dans le cadre de ses fonctions, Kidman effectue de nombreux déplacements, notamment au Kosovo en 2006, pour rencontrer des victimes de la violence sexuelle et faire entendre leur voix152. En 2007, elle devient la porte-parole internationale de linitiative « Dites NON Tous UNIS pour mettre fin à la violence contre les femmes ». La campagne, qui recueille plus de cinq millions de signatures, réclame des gouvernements qu'ils mettent en œuvre des mesures de protection des femmes153. En 2009, elle apparaît devant le Comité des affaires étrangères du Sénat des États-Unis afin de faire adopter l'International Violence Against Women Act (IVAWA)154. L'objectif de cette législation est d'influencer la politique étrangère des États-Unis vis-à-vis des pays où les droits des femmes ne sont pas respectés. Kidman évoque alors les viols systématiques dans les conflits ethniques, les mariages forcés à un très jeune âge ainsi que la violence au foyer, et déclare « La violence contre les femmes et les filles est peut-être l'une des violations des droits de l'homme les plus répandues dans le monde. Elle ne connaît ni frontière, ni race, ni classe. Je suis loin d'être une experte mais je me fie aux gens que j'ai rencontrés pour faire avancer cette cause. »

    Pour son action humanitaire, Kidman bénéficie d'une grande reconnaissance. En 2004, elle est récipiendaire du Citizen of the World Award, attribué par l'United Nations Correspondents Association. En 2012, elle se voit décerner le Prix de l'aide humanitaire de la « Kuwait-America Foundation »157 et, en 2013, la Cinema for Peace Foundation lui attribue un prix spécial honorifique pour le travail qu'elle a réalisé au nom des femmes autour du monde158.

  11. Jennifer Lopez — Wikipédia

    fr.wikipedia.org/wiki/Jennifer_Lopez
    • Carrière
    • Commentaire
    • Enfance
    • Présentation
    • Sortie
    • Développement
    • Apparitions
    • Événements
    • Vie personnelle

    En 1986, elle joue dans le film My Little Girl et gagne ensuite en notoriété comme danseuse Fly Girl sur In Living Color en 1991. Elle reçoit son premier grand rôle dans deux longs-métrages : le drame musical Selena et le film d'aventures Anaconda, le prédateur, qui sortent tous deux en 1997. Elle publie par la suite son premier album studio, On the 6. Avec la sortie de son deuxième album studio J.Lo, et de la comédie romantique hollywoodienne Un mariage trop parfait en 2001, Jennifer Lopez devient la première artiste à posséder un album et un film classés à la première place la même semaine. Son album de 2002, J to tha LO! The Remixes, devient le premier album de remix de l'histoire à atteindre la première place du classement Billboard 200, tandis que son cinquième album : Como Ama una Mujer (2007), se classe comme le plus rentable des albums en espagnol aux États-Unis. Avec plus de 55 millions d'albums vendus2,3 et des revenus filmographiques estimés à 3 milliards de dollars, Jennifer Lopez est considérée comme la plus influente et la mieux payée des artistes latino-américaines4. En mai 2012, Jennifer Lopez est élue personnalité la plus influente du monde5 selon Forbes. Le 20 juin 2013, elle est récompensée pour sa carrière et reçoit la 2 500e étoile du Walk of Fame. Jennifer Lopez obtient un petit rôle dans un film à petit budget, My Little Girl, réalisé par Connie Kaiserman, en 198711. Après des mois d'auditions pour des rôles de danse, Jennifer Lopez est sélectionnée comme danseuse pour divers vidéoclips de musique rap, un épisode de Yo! MTV Raps en 1990, et comme danseuse de secours pour les New Kids on the Block et la performance de leur chanson Games pour les American Music Awards en 199112. Elle obtient son premier grand rôle récurrent en tant que danseuse Fly Girl, sur le programme de télévision comique In Living Color (en) de 1991 à 1993. Peu de temps après, Jennifer Lopez devient danseuse professionnelle pour Janet Jackson et fait une apparition dans le vidéoclip de la chanson That's the Way Love Goes sorti en 1993. En 1991, elle apparait également dans le clip vidéo de la chanteuse britannique Samantha Fox Hurt me Hurt me (But The Pant Stay On) ; on la voit notamment danser à plusieurs reprises tout en chantant Hurt me Hurt me. En février 1997, Jennifer Lopez joue aux côtés de Jack Nicholson et Stephen Dorff dans le thriller néo-noir Blood and Wine13. C'est un échec commercial ; le budget de $ 26 millions dépensé pour le thriller ne réussit qu'à engendrer un million au box-office14. Malgré ça, le thriller est bien accueilli par la presse spécialisée15. Un autre film, la même année admet Jennifer Lopez au casting : Anaconda. De bonne facture, ce film d'horreur autour du thème du serpent Anaconda en Amérique du Sud, de Luis Llosa rassemble en fait de très bons jeux de second rang ou en devenir (Jennifer Lopez elle-même, Ice Cube, Jon Voight, Eric Stoltz, Jonathan Hyde, Owen Wilson). Elle est nominé d'un Saturn Awards pour ce rôle. Enfin, Jennifer Lopez joue désormais la principale protagoniste Selena dans le film homonyme en mars la même année16. Jennifer Lopez subit d'ailleurs une intense audition lors du casting17. Avec un budget de $ 20 millions, le film remporte $35 millions18. Après ses débuts dans Selena, Jennifer Lopez, se sentant « à l'aise avec ses racines latines », enregistre une démo musicale en espagnol19. Le manager de Jennifer Lopez envoie la démo, intitulée Vivir Sin Ti, à Sony Music Entertainment, qui s'intéresse immédiatement à la chanteuse. Tommy Mottola, à la tête du label, désire lui faire chanter la démo en anglais20. En mars 2004, Jennifer Lopez joue un petit rôle dans le film Père et Fille, avec Ben Affleck. Son personnage, Gertrude Steiney, meurt lors de la mise au monde de son enfant pendant les quinze premières minutes du film37. Avec un budget de $ 35 millions, le film est un échec commercial, engendrant un total d'à peine $ 36 millions au box-office38. Le film, cependant, est généralement bien accueilli par la presse spécialisée, bien que considéré comme un « cliché de film à l'eau de rose »39. En octobre, Jennifer Lopez joue aux côtés de Richard Gere dans le drame Shall We Dance?, un remake du film japonais homonyme de 1996. Avec un budget de $ 50 millions, le film rapporte un total de $ 170 millions dans le monde40. Il est bien accueilli par la presse spécialisée41. Toujours en 2004, Jennifer Lopez se lie d'amitié avec une petite patiente âgée de onze ans atteint d'un cancer, Paige Patterson. La petite fille décède au lendemain de la remise d'une récompense à Jennifer Lopez en novembre 200442. Après une année loin de la scène musicale, Jennifer Lopez sort son quatrième album studio, Rebirth, le 1er mars 2005 qu'elle dédie à Patterson43. Bien que débutant au sommet du Billboard 200, l'album chute rapidement dans le classement. Le premier single Get Right atteint le top quinze aux États-Unis, et devient son deuxième single certifié disque de platine (après If You Had My Love). Get Right est un succès au Royaume-Uni, devenant son deuxième single numéro un dans ce pays. Le second single, Hold You Down, en duo avec Fat Joe, se classe soixante-quatrième aux États-Unis, sixième au Royaume-Uni et est top vingt en Australie. Une autre chanson, Cherry Pie, est sortie fin 2005, mais les projets de vidéo sont annulés. Il est envoyé aux radios en Espagne. Rebirth est certifié disque de platine aux États-Unis par la RIAA44. Jennifer Lopez participe ensuite à un duo avec LL Cool J sur Control Myself, sorti en single le 1er février 2006. Il atteint la quatrième place du Billboard Hot 100 et la seconde aux top singles britanniques. Il s'agit du premier top dix de Jennifer Lopez aux États-Unis depuis trois ans. Rebirth a plus de succès au Royaume-Uni, où la plupart de ses singles atteignent le top cinq. Jennifer Lopez fait officiellement paraître son premier album complètement chanté en espagnol, Como Ama una Mujer, en mars 200745. C'est son mari, le chanteur Marc Anthony, qui a produit l'album. L'album atteint la dixième place du Billboard 200, et est classé numéro un aux US Top Latin Albums pendant quatre semaines consécutives46. Le premier single, Qué Hiciste est officiellement diffusé par les stations de radio en janvier 2007, et culmine au top 10 des charts européens47. La vidéo de la chanson est la première en langue espagnole classée première au MTV Total Request Live, classement des vidéos les plus plébiscitées par les téléspectateurs48. Jennifer Lopez remporte un American Music Award en tant qu'artiste latine favorite en 200749. Avec Como Ama una Mujer, Jennifer Lopez est l'une des rares artistes à débuter au top 10 du Billboard 200 avec un album en espagnol46. En juillet 2007, Jennifer Lopez et son époux Marc Anthony annoncent une tournée commune qui débute le 29 septembre dans le New Jersey, aux États-Unis50. La tournée remporte approximativement 60 millions, dont un dollar par ticket est donné à Run for Something Better une organisation à but non lucratif encourageant les programmes de remise en forme chez les enfants51,52. Jennifer Lopez sort son cinquième album studio en anglais (sixième album studio globale), intitulé Brave, le 9 octobre 2007, six mois après la sortie de Como Ama una Mujer ; il s'agit néanmoins du premier album le moins rentable53. Depuis sa grossesse en 2007, Jennifer Lopez entame l'écriture de son septième album studio, Love?54. Sa sortie était prévue pour l'été 2010, et l'opus devrait comporter des productions de Danja, Jim Jonsin, Darkchild, Tricky Stewart, The-Dream ou encore The Neptunes en autres. Une chanson intitulée Fresh Out the Oven en duo avec Pitbull est mise en ligne en octobre 2009, mais sa maison de disques déclare qu'il s'agissait simplement d'un single promotionnel55. Il atteint tout de même la première place du Hot Dance Club Songs56. Le premier single officiel de ce projet était à l'origine Louboutins qui fait ses débuts à la radio le 23 novembre 2009, après sa première mondiale et la performance de Jennifer Lopez lors de l'ouverture des American Music Awards en 2009. La chanson réussit à entrer uniquement que dans le Hot Dance Club Play Chart six semaines après sa sortie et à atteindre la première place57. À la fin février 2010, la séparation de Jennifer Lopez et Epic Records est confirmée. Le manager de Jennifer Lopez, Benny Medina, confirme cette nouvelle en déclarant : « Jennifer a eu une merveilleuse relation avec le groupe Sony et ils ont partagé de nombreux succès ensemble, mais le moment est venu de prendre une autre direction afin de servir au mieux le sens de sa carrière en tant qu'actrice et chanteuse, elle est reconnaissante et apprécie tout le monde chez Sony, pour tout ce qu'ils ont accompli ensemble58. » Plus tard, Jennifer Lopez déclare à la presse qu'elle avait déjà terminé ses obligations contractuelles avec Sony Music Entertainment et Epic Records, et avoir décidé qu'il était préférable de mettre fin au partenariat à l'amiable. Elle ajoute avoir trouvé un nouveau label pour son album Love?, prévu pour l'été 201059. Le 19 février 2010, Jennifer était une invitée spéciale au Festival de Sanremo 2010, où elle a chanté la chanson (What Is) Love? et quelques unes de ses plus grandes réalisations. Peu de temps après, dès le 19 mars 2010, Jennifer Lopez signe avec Def Jam60, et travaille sur du nouveau matériel pour Love? avec RedZone Entertainment (Harrell Kuk, The-Dream et Tricky Stewart)61. Elle interprète également le rôle principal dans le film Le Plan B, puis est annoncée comme jury des prochaines saisons de American Idol.

    L'année 1998 la voit être dirigée par deux grands cinéastes : Oliver Stone pour le thriller U-Turn et Steven Soderbergh pour la comédie noire Hors d'atteinte. L'actrice fait aussi confiance à Tarsem Singh : The Cell est un thriller fantastique et expérimental sorti en 2000. En France, Annie Milon114,115 a été la première voix française régulière de l'actrice. Mais depuis le film Parker (2013), Jennifer Lopez est doublée par Ethel Houbiers114.

    Jennifer Lopez est née le 24 juillet 1969 à Castle Hill, un secteur du quartier du Bronx, à New York, aux États-Unis7,8. Elle est fille de parents portoricains. Sa mère est une enseignante de maternelle, et son père David Lopez, un spécialiste en informatique9, tous deux nés à Ponce, Porto Rico. Jennifer Lopez a deux sœurs, Lynda et Leslie. Elle fait ses études dans des écoles catholiques, notamment dans l'établissement Preston High School dans le Bronx. Issue d'une famille modeste, elle finance ses cours de chant et de danse elle-même dès l'âge de 10 ans. Après avoir étudié au Baruch College pendant un semestre, Jennifer partage son temps entre l'activité de clerc de notaire, des cours et des spectacles de danse dans des boîtes de nuit du quartier de Manhattan. Jennifer Lopez fut sans domicile fixe à 18 ans10.

    Le premier album de Jennifer Lopez, On the 6 est une référence à la ligne 6 du métro qu'elle prenait pour rejoindre Castle Hill21. L'album est publié le 1er juin 1999, et atteint le top dix du Billboard 20022. L'album contient le premier numéro de la chanteuse au Billboard Hot 100, le premier single If You Had My Love, ainsi que le top dix Waiting for Tonight. L'album inclut également une piste en espagnol, un duo à la saveur latine, No Me Ames avec Marc Anthony. Bien que No Me Ames n'ait jamais été commercialisé, il atteint la première place du classement US Hot Latin Tracks aux États-Unis. On The 6 comporte des duos avec des artistes tels que Big Pun et Fat Joe sur le titre Feelin' So Good, qui remporte un succès modéré au sein du Billboard Hot 100. Let's Get Loud, dernier single de l'album, est nommé aux Grammy Awards dans la catégorie « Meilleure chanson dance » en 2001. Waiting for Tonight est nommé dans la même catégorie l'année précédente. No Me Ames reçoit deux nominations aux Latin Grammy Awards en 2000 dans les catégories « Meilleur duo/groupe pop vocal » et « Meilleur vidéoclip ». Le second album de Jennifer Lopez, J.Lo, parait le 23 janvier 2001, et débute à la première place du Billboard 20023. Cet album prend une orientation musicale davantage urbaine par rapport au film Un mariage trop parfait, dans lequel Jennifer Lopez interprète Mary, une jeune femme organisant des cérémonies de mariage, qui tombe amoureuse d'un homme dont elle organise le mariage sans le savoir. Elle devient la première chanteuse-actrice à avoir un album et un film numéro un la même semaine24. Le premier single de l'opus, Love Don't Cost a Thing, est son premier single numéro un au Royaume-Uni, et est classé top cinq aux États-Unis25. Ce single est suivi de Play, qui sera classé 20e du Billboard Hot 100, et troisième au Royaume-Uni. Les deux singles suivant sont I'm Real et Ain't It Funny qui ont rapidement grimpés dans les charts. Sur cette lignée, Jennifer Lopez demande au label The Inc. Records (alors connu sous le nom de 'urder Inc.) de remixer les deux chansons, avec les artistes Ja Rule (I'm Real et Ain't It Funny) et Caddillac Tah (sur Ain't It Funny). Les deux remixes atteignent la première place du Billboard Hot 100 pendant plusieurs semaines. La chanteuse réédite J. Lo à l'occasion de son trente-deuxième anniversaire avec le remix de I'm Real en tant que bonus25. Par ailleurs, Si Ya Se Acabó sort en Espagne, en raison de la réussite Que Ironia (version espagnole de Ain't It Funny). En 2001, Jennifer Lopez lance une tournée promotionnelle, le Let's Get Loud 'Live in Puerto Rico' Concert, qui sortira sous format DVD en 200326.

    Début 2011, le retour de la chanteuse s'amorce sur le plateau de lémission de télévision américaine Most Fascinating People of 2010 de Barbara Walters sur la chaîne ABC62. Dans cette émission, Lopez dévoile la pochette de Love?63. L'album, paru le 3 mai 2011, se classe 5e des classements américains avec seulement 83 000 exemplaires écoulés64, 6e au Royaume-Uni (avec plus de 15 000 ventes), et 7e en France, entre autres65. En fin d'exploitation, les ventes de l'album sont estimées à 318 000 exemplaires aux États-Unis66, et à 1 063 500 dans le monde67. Le premier extrait de cet opus, produit par RedOne, et en duo avec le rappeur Pitbull, s'intitule On the Floor. Le morceau reprend la célèbre Lambada68. À sa sortie sur iTunes en février 2011, il devient le cinquième titre le plus vendu dans le monde sur la plateforme de téléchargement en une journée69. Le titre devient également un succès mondial, et atteint la première place des classements musicaux de nombreux pays. Aux États-Unis, On the Floor atteint la cinquième place du US Singles Top 10070,71, et la troisième place du Billboard Hot 100, soit son premier top 10 dans le pays depuis All I Have en 200372. Une version espagnole du morceau intitulée Ven a Bailar (On the Floor) est parue en single et figure sur l'édition deluxe de Love?. Le vidéoclip de On the Floor est dévoilé le 3 mars 2011, et remporte un franc succès sur YouTube73. Le deuxième single de l'album s'intitule I'm Into You, et bénéficie de la participation du chanteur Lil Wayne74. Le titre, paru le 1er avril 2011 sur iTunes, se veut davantage urban, par rapport à On the Floor et ses sonorités pop et dance. Le clip de la chanson, tourné au Mexique, est mis en ligne le 2 mai 201175.

    Jennifer Lopez dévoile, début 2014, le titre et le clip du titre Same Girl86, écrit par Chris Brown, puis le morceau Girls en featuring avec Tyga, produit par DJ Mustard87 ; les chansons sont urbaines, et annonciatrices de son nouvel album mais ne sont pas des titres exploités. En mars 2014, Jennifer Lopez annonce le premier single de son nouvel album, I Luh Ya Papi, un morceau urbain en duo avec French Montana88, plutôt bien accueilli par la presse spécialisée américaine. La vidéo de ce morceau suscite également des commentaires positifs, le clip est humoristique et « affronte » le sexisme de l'industrie musicale. Le single est promu avec une performance sur la treizième saison d'American Idol, émission dans laquelle est juge89. Mais le titre ne parvient pas à grimper dans les classements. Le 1er mai 2014, Jennifer Lopez fait paraître le titre First Love, produit par Max Martin, deuxième single extrait de son nouvel album90. L'album A.K.A sort en juin 2014. Il est défendu par un troisième single, Booty, en featuring avec Pitbull sur l'album mais remixé par la rappeuse Iggy Azalea. Grâce à son clip sulfureux, il devient le premier single de l'album à atteindre le top 20 aux États-Unis. Cependant, l'album signe le pire démarrage de sa carrière dans les classements et devient ainsi son album le moins vendu. Fin 2014, elle livre son intimité dans son autobiographie True Love, ainsi que dans un documentaire-concert Dance Again diffusé pendant la soirée du nouvel an. Le même soir, elle assure un concert privé au Caesars Palace.

    Jennifer Lopez est à l'affiche du film Un voisin trop parfait sorti le 23 janvier 201591 et du film indépendant Lila and Eve qui est présenté en première au festival du film de Sundance de 201592. Elle prête également sa voix aux côtés de Steve Martin et Rihanna dans le film d'animation En route ! sorti le 27 mars 2015 et chante sur la bande originale Feel The Light 93. En juin, elle est sur Back It Up de Prince Royce avec le rappeur Pitbull94. Elle chante également en duo avec le chanteur Álvaro Soler sur le tube El mismo sol95, ainsi qu'avec Jason Derulo sur le titre Try Me96.

    Le 22 novembre 2015, Jennifer Lopez est l'animatrice de la cérémonie des American Music Awards et ouvre la cérémonie avec sa chanson Waiting for Tonight suivi d'une performance de danse sur les différentes chansons phares de l'année 2015. Elle reviendra également dans son rôle de jury dans la dernière saison de American Idol97. Elle joue et produit une série policière intitulée Shades of Blue diffusée sur la chaîne NBC98 et qui sera ensuite renouvelée pour une seconde saison. Jennifer Lopez est en résidence à Las Vegas pour un spectacle de 40 concerts intitulé All I Have qui a commencé le 20 janvier 201699 et qui s'arrêtera le 17 décembre. Les 10 premiers concerts de Jennifer Lopez à Vegas ont été acclamés par la critique100, ils se sont déroulés à guichets fermés et ont rapporté plus de 8 millions de dollars à la chanteuse 101. La résidence sera renouvelée en 2017 pour également 40 concerts.

    De février 1997 à janvier 1998, elle est mariée à Noa, un serveur cubain, avant d'être en couple avec le rappeur, Sean Combs, d'août 1999 à février 2001. Peu après leur rupture, Jennifer Lopez commence à fréquenter Cris Judd, un chorégraphe, qu'elle épouse le 29 septembre 2001, au bout de sept mois de relation mais après s'être séparés en mai 2002, ils divorcent en janvier 2003. En juillet 2002, elle entame une relation avec l'acteur Ben Affleck, avec qui elle se fiance trois mois plus tard. Ils se séparent en janvier 2004103. Le mois suivant, elle commence à fréquenter l'acteur et chanteur, Marc Anthony, qu'elle épouse le 5 juin 2004. Le 22 février 2008, elle donne naissance à des jumeaux, un garçon et une fille. En juillet 2011, le couple annonce sa séparation au bout de sept ans de vie commune et de mariage. Après avoir demandé le divorce en avril de l'année suivante104, leur divorce est prononcé deux ans plus tard en juin 2014105. En 2011, elle est en couple avec le danseur Casper Smart106 qui joue d'ailleurs dans le clip Dance Again l'année suivante107 et qui apparaîtra dans un petit rôle dans la série Shades of Blue produite par Jennifer Lopez elle-même108. D'après plusieurs rumeurs, ils se séparent en août 2016 en raison d'une tromperie de ce dernier109,110. Fin décembre 2016, elle a eu une brève liaison avec le chanteur Drake. La relation s'est finie début février 2017111. Depuis le début de l'année 2017, elle est en couple avec le joueur de baseball Alex Rodriguez, qui a confirmé leur relation sur le plateau de l'émission The View112. Ils se sont fiancés début mars 2019113.